PLAYGIRL KILLER aka Decoy for Terror aka Portrait of Fear - Erick Santamaria, 1968, Canada On débute sur un joli paysage où un couple arrive en canot pour relaxer un bel après-midi d'été. L'homme charismatique (William Kerwin, aussi scénariste), voyant la dame prendre une pause magnifique, sort son crayon vite fait pour la dessiner. Mais voilà le problème, elle se met à bouger et le mec n'apprécie vraiment pas: " DON'T MOVE!! ", ce qui incite la dame à faire le contraire, bien sûr. Notre " héros " pète les plombs et la tue sur-le-champ puis se met à courir de la justice. Tout ceci en moins de 5 minutes. Son règne continuera avec les modèles avides de mouvements, mais il a tout de même une idée en tête: accomplir une peinture qui lui est parvenu à travers ses rêves. Ce film est particulièrement surprenant. On s'attend à une pâle copie de COLOR ME BLOOD RED (sorti 3 ans plus tôt) de notre ami Herschell et on se retrouve plutôt avec un film supérieur de tous côtés. La mise en scène est sur automatique, mais Kerwin possède un tel charisme à l'écran en poussant son personnage à l'extrême qu'un grand sourire de plaisir s'installe sur notre gueule pour la durée du film. Une fin à la EC Comics fait également parti du tout pour ajouter la cerise sur une oeuvre déjà réussie. Un bon film de la vieille époque qui accumule les années sans trop de rides. Bad Feeble
Donald Lautrec Louise Turcot Danielle Ouimet Janine Sutto	La POMME, LA QUEUE ET LES PÉPINS aka The Apple, the Stem and the Seeds, Claude Fournier, 1974, Canada, 1h28 Une production Cinépix rated "ET" for "Extremely Trash".  C'est con, parce que ce film mythique, je le cherche depuis des lustres. Sa réputation a dépassé bien des frontières, et Léo Bonneville, dans une édition d'époque de Séquences, au temps où cette revue était administrée par des ecclésiastiques prônant des valeurs chrétiennes, l'avait "ramassé" en disant que le cinéma canadien était tombé bien bas. Il n'avait pas tort. Pourtant, malgré tous les bruits qui couraient au sujet de la rareté présumée de cette oeuvre, il suffisait de se pencher pour le trouver. Tout d'abord aperçu au Ciné-Vidéo-Club Cartier, à Québec, à la sortie d'une projection d'ARBRES, loué dans la fièvre du moment mais jamais visionné (je lui préférai LE CHEF SE DÉNIAISE, plus rare et plus... niais, si on peut dire), je le recroisai pas plus tard que la semaine dernière à la Boîte Noire, rue St-Denis. Cette brève mise en situation devrait suffire à vous expliquer à quel point mes espérances étaient élevées lorsque j'insérai la vidéocassette dans mon magnétoscope. ÇA PARLE DE QUOI ?  Martial (Donald Lautrec), un gars "ben ordinaire" qui travaille dans une clinique de fertilisation animale de Laval, et qui est membre actif d'un parti politique, est sur le point de se marier. Sa femme, Louise (Han Masson), est une belle petite brunette qui "vient avec" une famille trash à souhaits, avec un `beau-frère (Réal Béland) qui sacre comme un charretier et qui boit une gorgée de bière entre chaque respiration, et un papa bien moustachu (Roméo Pérusse) qui a des problèmes digestifs qui le font éructer et flatuler à tout rompre. Sa maman, au moins, est une Janine Sutto normale. Alors notre Martial, en bon gosse, se marie avec Louise, et part en "voyage de noces", qui consiste en fait à rester deux semaines dans la même chambre d'hôtel cheap pour procréer. Voilà, un petit problème survient : le moineau de monsieur ne lève plus. Nous suivrons dès lors les efforts du couple nouvellement constitué pour "redresser" la situation, qui risque bien de menacer l'équilibre familial et social de Martial; tassez-vous, tout s'écroule ! APPRÉCIATION ?  On reste bouche bée devant cette production audacieuse, qui va vraiment loin pour faire rire. Fournier emploie ici un humour scabreux très particulier au début des années '70, un humour vulgaire et sale, misogyne et grossier, et il est étonnant de voir que cette oeuvre a obtenu un quelconque financement. Ce qui étonne le plus, c'est la participation de "gros noms" de l'époque; Janine Sutto n'avait peut-être pas lu le scénario, car elle ne se compromet pas trop, mais il y a quand même Lautrec qui prend part à plusieurs outrages, Danielle Ouimet et Louise Turcot dans des rôles habillés - allez comprendre ! - et un Paul Buissonneau complètement délirant dans la peau d'un chercheur somnolent et fort imbu de lui-même. Certaines scènes sont vraiment réussies, et on demeure abasourdi par tant de trouvailles, qui défilent l'une après l'autre sans que le rythme ne ralentisse; tellement qu'on dirait parfois un film à sketches ! Jean Lapointe offre une performance absolument ahurissante dans la peau d'un libraire gai, atteignant des sommets comiques rarement entrevus dans sa carrière récente. Le cabotinage éhonté dont il fait preuve est incroyable ! LA POMME... est donc un cocktail difficile à avaler, où l'on aurait mélangé du sexe volontairement théâtral à une vulgarité sans bornes, un soupçon de dialogues à saveur politique, des personnages caricaturaux, le tout brassé sauvagement par un scénariste obnubilé par sa phase anale visiblement refoulée, recraché sur pellicule à la va-vite pour capitaliser sur le succès de DEUX FEMMES EN OR ('70) et des CHATS BOTTÉS ('71), aussi des oeuvres de Fournier. Reste à savoir ce que vaut son ALIEN THUNDER, tourné la même année que LA POMME... et qui a l'air ma fois aussi effrontément trash. C'était là le premier film de Han Masson, qui enchaîna avec JOS CARBONE en '76, et s'éloigna peu à peu du cinéma de genre pour obtenir un semblant de "respectabilité" qui culmina en '90 dans DING ET DONG, LE FILM. Lautrec, lui, à travers ses nombreux tours de chant, allait récidiver dans GINA de Denys Arcand, qui ne vole pas tellement plus haut, mais qui confirme que l'homme choisissait sciemment les scénarios des films dans lesquels il apparaissait en fonction de leur bas niveau. C'est ce qu'on appelle un GRAND du cinéma québécois. Orloff
	PREMIER JUILLET : LE FILM aka Moving - Philippe Gagnon, Canada, 1h30  Une coutume québécoise veut que la date "officielle" du déménagement soit, pour tout le monde, le premier juillet. Les baux se terminent à cette date et dans les villes le moindrement peuplées, tout le monde déménage en même temps, créant un certain remue-ménage dans les familles. Voici que dans notre petit monde cinématographique, on se penche enfin sur la question. On a donc droit à une production estampillée INIS, ce qui ne présage dès le départ rien de bon. Rien que la musique du menu du DVD devrait suffir à nous donner une idée de ce qui nous attend, mais on persiste, et je signe. Un film choral. Des destins qui se croisent. Des gens reliés les uns aux autres sans vraiment la savoir. La théorie du 6 degrés de séparation bafouillée. C'est bien à la mode ces temps-ci, ce genre de scénario. Bien mis en images, ça peut donner un résultat intéressant, mais quand on se prend les pieds dans les fleurs du tapis, le spectateur a envie de crier "au secours !"... Je me demandai donc dès les premières minutes si j'allais endurer cette "chose" jusqu'à sa conclusion. Puis ma curiosité morbide et ma prédilection pour la merde sur pellicule l'emportèrent et c'est avec un certain masochisme que je regardai les personnages "évoluer" jusqu'à une fin sirupeuse où tout s'arrange, tout le monde il est beau, tout le monde il est gentil. Douleur immense de voir des fonds ainsi gaspillés. Douleur profonde de voir que personne dans l'équipe, ni dans le pré, ni dans la post, ni EN COURS DE TOURNAGE, ne s'est rendu compte que tous les acteurs jouaient faux, que les dialogues pitoyables sonnaient creux, que les événements dépeints étaient hautement improbables et que la garde-robe "cheap estival" faisait mal aux yeux. Acteurs de téléroman lorsqu'ils ne sont pas carrément amateurs, les protagonistes de cette inutilité flagrante agacent dès le premier regard. Les situations tirées par les cheveux nous donnent envie de lancer le film par la fenêtre, mais je crois que le pire dans toute cette galère, c'est la musique. Haut-le-coeur assuré. On finit avec une morale hallucinante de bêtise, avec des personnages incroyablement irresponsables qui s'en tirent à bon compte, l'idiotie mordante de la jeunesse glorifiée, et les rues du Plateau monopolisées pendant une bonne partie de l'été dernier au nom de cette abomination qui sert de pub au Clan Panneton. En tout cas, ça ne donne pas envie de déménager. Orloff
	The PYX aka La LUNULE aka The Hooker Cult Murders - Harvey Hart avec Christopher Plummer, Karen Black, Donald Pilon, Jean-Louis Roux, Yvette Brind'amour, Jacques Godin, 1973, Canada, 108m Elisabeth Lucy meurt après être tombée d'un balcon du vingtième étage d'un édifice au centre-ville de Montréal. Le sergent détective Jim Henderson (Plummer) et son assistant Pierre Paquette (Pilon) mènent rapidement et rondement une enquête pendant laquelle ils vont reconstituer les derniers jours d'Elisabeth, prostituée de luxe, consommatrice de drogues et du dernier client qu'elle a côtoyée. Le film nous montre donc en parallèle l'enquête au temps présent et la descente aux enfers d'Elisabeth en flashbacks. Le titre ne m'avait jamais inspiré et pourtant, cette histoire d'une autre époque n'est pas sans intérêt. Elle débute, rétrospectivement, comme se termine L'Exorciste de Friedkin, sorti trois mois plus tard, une curieuse coïncidence. De drame policier au drame de moeurs, on vire tranquillement au film fantastique. Où du moins on veut bien nous le faire croire devant certaines pochettes de vhs ou critiques enthousiastes. J'ai vu la version originale anglaise, qui contient beaucoup de français, spécialement lors de la longue enquête, car le rythme est évidemment celui d'une autre époque, plus lent. Christopher Plummer et Karen Black sont impeccables. C'est d'ailleurs Black qui interprète les cinq chansons sur la trame sonore. Elle a une belle voix. Les rôles secondaires sont parfois aussi excellents, tel Jacques Godin, toujours intense ou Jean-Louis Roux qui joue un personnage qui n'est pas sans rappeler les commanditaires d'atrocités dans le plus récent Martyrs. Quand à Donald Pilon, il est cantonné dans le rôle du méchant policier, celui qui menace la proxénète et le concierge. L'atmosphère sombre et nihiliste est aussi typique de cette époque ou la fin joyeuse était loin d'un pré-requis comme c'est trop souvent devenu le cas. Quand au titre singulier, il sera expliqué, plus que cette fin quelque peu énigmatique. Alors, film fantastique ou simple thriller policier ? A vous de décider. Mario Giguère
	RED BLOODED AMERICAN GIRL aka VIRUS VAMPIRE aka SANG FROID aka VAMPIRE CONNECTIONS - David Blyth, 1990, Canada Quand le sympathique savant Owen Augustus Urban III (Andrew Stevens) sniffe son adrénaline de synthèse pour la première fois, il reçoit la visite de l'éminent Dr. Alcore (Christopher Plummer). Ce dernier, bien qu'assez âgé pour être le père d'Owen, lui démontre via un duel au bras de fer qu'il est plus en forme que jamais, mais que son état pourrait ne pas durer. Cependant, il voit en notre petit génie une solution à ses problèmes. D'abord intrigué, puis motivé, Owen accepte d'investir le labo presque tout vide de son nouveau patron où se baladent deux gardes armés, quelques toubibs chelous et un assistant queutard, puis déchante quand il s'aperçoit qu'Alcore n'est qu'un vile personnage à la recherche de la vie éternelle et que ses recherches ont abouties à la création d'un virus transformant ses victimes en vampires qui finissent en cellule capitonnée. Paula (Heather Thomas qui tortille du postérieur à plusieurs reprises), la nouvelle copine bonnasse d'Owen, va d'ailleurs en faire les frais. Viré du tournage de "House III" ("The Horror Show") en 1989, le kiwi David Blyth s'envole pour le Canada où il met en boîte ce qui ressemble vaguement à un remake à la sauce vampire de son curieux et sanglant "Death Warmed Up" tourné cinq ans plus tôt sur son île natale. Mais si le scénario du premier film était co-signé Blyth, celui de "Red Blooded American Girl" est écrit par Allan Moyle, scénariste et réalisateur du fameux hit "Pump'Up the Volume" avec Christian Slater sorti la même année! De "Death Warmed Up", on retrouve donc le savant à la recherche de la vie éternelle, les victimes des expériences foireuses (les zombies sont ici des vampires), le laboratoire étrange et une certaine dose de sensualité et de perversité (plans nichons et ustensiles SM sont de la partie, une marque de fabrique de David Blyth lorsqu'il ne tourne pas des épisodes de "Power Rangers".... encore que...). Si malgré quelques maladresses, le film parvient dans sa première moitié à dégager quelque chose de singulier, notamment via ses cadrages alambiqués et son atmosphère clinique étrangement sulfureuse, il empreinte malheureusement une direction plus convenue dès le moment où son héroïne devient infectée. Heather Thomas en fait d'ailleurs des caisses, secoue la tête et grimace comme Linda Blair dans "L'Exorciste", et mute en dominatrice SM insatiable qui va faire son shopping dans une salle de musculation pour sucer du mâle musclé. Étrangement, son choix se porte sur un chevelu qui aurait été plus à sa place accoudé à un bar une bière à la main. "Red Blooded American Girl" est un film hybride, imparfait mais curieux auquel David Blyth donna une suite, "Red Blooded 2", en 1997. Kerozene
	REEL ZOMBIES - David J. Francis & Mike Masters, 2008, Canada, 89m Une équipe de cinéma indépendant se réunie assez péniblement pour mettre en scène "Zombie Night 3", la suite logique de "Zombie Night" et de "Awakening: Zombie Night 2". Mais entre la sortie de ce dernier et le premier tour de manivelle de sa séquelle, une invasion de morts-vivants a réellement eut lieu. Le réalisateur Mike Masters décide alors de se passer des effets de maquillage et d'utiliser de vrais zombies pour son film. C'est sous la forme d'un documentaire à propos du tournage de "Zombie Night 3" que cette histoire nous est racontée. Un faux documentaire réalisé et interprété par les véritables auteurs du véritable diptyque "Zombie Night"! Voila qui n'est pas forcément une mauvaise idée, mais à l'heure où pullulent les films de zombies fauchés et les fakumentaries sur des réalisateurs qui tentent de réaliser un film dans la douleur (une idée récurrente chez les jeunes réalisateurs indépendants en manque de pognon comme en témoignent des titres comme "Hardcore: A Poke Into the Adult Film Orifice" ou "Silence, ça tue!" pour en citer deux dignes d'intérêt), le moment est peut-être mal choisi. Les gags de ce types de faux docus restent à peu près les mêmes (mauvaise entente entre le réalisateur et le producteur, acteurs pas toujours participatifs ou à côté de la plaque - voir le caméo désolant de Lloyd Kaufman -, incompréhension du scénario par une bonne partie de l'équipe - reste le chef op français qui ne parle pas un mot d'anglais qui m'a bien fait marrer), mais ils devraient logiquement être alignés avec d'autres gags liés au fait que nos cinéastes sont confrontés avec de véritables morts-vivants. C'est sans doute là que Masters et Francis auraient dû afficher une véritable différence et jouer avec le fait que tout ce petit monde devait faire face au plus grand fléau de l'Histoire de l'humanité pour l'amour de l'art! Malheureusement, cela ne semble emmerder personne de découper du zombie pour un film de série Z, ou même de devoir donner la réplique à un macchabée ambulant. Il y a bien le préposé aux transports qui fait la gueule lorsqu'on lui colle un zombie dans sa voiture et qu'il lui bouffe son ipod (un zombie ipodophage, une première), mais ça s'arrête là. Rien de fondamentalement original donc, et surtout pas le final du film qui termine exactement là où on pensait qu'il finirait. Kerozene
	RÉJEANNE PADOVANI - Denys Arcand avec Luce Guilbeault, Jean Lajeunesse, J.Léo Gagnon , Québec, 1973, 96m  Une journée avant la construction d'une autoroute, des hommes politiques importants se réunissent chez Vincent Padovani, un gangster notoire et fontaine ouverte d'aide à la corruption politique. Pendant que les hommes politiques véreux s'échangent blagues et compliments, on apprend que la femme de Vincent, Réjeanne, pouvant ainsi tout déballer, est de retour à Montréal. Pire encore, une manifestation contre l'autoroute est sur le point de se faire. Il faut donc étouffer l'affaire, le plus vite possible. Ce film de Denys Arcand fait parti de nos classiques québécois trop souvent oubliés, un film pas parfait c'est vrai, mais captivant et engagé, dans le style qu'on n'oserait même plus faire aujourd'hui. Fait en 1973, le film d'Arcand reste incroyablement d'actualité notamment avec les nombreux scandales de corruption politique au Québec dernièrement. Arcand d'ailleurs ne se gène pas pour montrer que notre classe dirigeante est formé de salauds et de gros cochons, vieux et cons, pourris jusqu'à la moelle par leur désir de s'enrichir. On fait des plans salauds contre les journalistes, des vieux dégueulasses plein de frics s'envoient en l'air, on bute des gens qui sont dans nos pattes. De quoi vous empêcher de vouloir voter aux prochaines élections. C'est aussi un film percutant sur le choc des classes avec en alternance des scènes dégoulinante d'hypocrisie entre les riches et leur repas qui devient le festival de la flatterie et les scènes étouffantes, débordantes de malaise, cadrés serrés avec un plafond bas pour montrer les gardes du corps. Les femmes du sous-sol ne peuvent monter en haut voir les maîtres que pour se faire baiser et les gardes du corps pour éliminer l'opposition gênante. Il y a quand même des aspects qui ont assez mal vieillis au film d'Arcand, le manque de dynamisme de trop de scènes et la photographie terne et banale qui colle moyennement au métrage. Mais ça frappe et ça frappe fort, directement dans les dents et bouillant de rage. Le monologue de dix minutes de Luce Guilbault devant un garde du corps prêt à l'assassiner fait certainement parti des scènes les plus intenses et marquantes du cinéma québécois. À voir et vite. Abba
	REQUIEM POUR UN BEAU SANS-COEUR - Robert Morin avec Gildor Roy, Jean-Guy Bouchard, Brigitte Paquette, Sabrina Boudot et Klimbo, 1992, Québec, 93m Surnommé par les médias comme l'ennemi public numéro un, Louis-Régis Savoie s'évade de prison après avoir tué un flic et profite de sa nouvelle liberté pour régler ses comptes en mettant le feu à un salon de massage, tuant plusieurs personnes innocentes. Régis, accompagné de son meilleur ami, de sa copine et d'une danseuse nue, se cache dans un chalet pour préparer son évasion du Canada. REQUIEM POUR UN BEAU SANS COEUR est peut-être le film québécois à grande échelle le plus innovateur et fascinant des vingt dernières années. Robert Morin, un génie au moment de manipuler la caméra, a décidé de montrer le point de vue de plusieurs personnages de son récit. Le plus intéressant, c'est que le narrateur change à chaque quinze minutes et qu'on voit parfois la même chose, mais sous des yeux différents à la RASHOMON. On en vient donc à se demander où est la vérité dans cette histoire tragique, pénible mais aussi terriblement intense. Tout cet univers se révèle assez étrange et on voit bien que la ligne entre le bien et le mal est d'une minceur anorexique. Autant Régis est un personnage visiblement dérangé et cruel, autant parfois on ne peut que ressentir de la pitié envers un être aussi désespéré et perdu. Le spectateur devient aussi confus que les personnages, qui se retrouvent dans des situations sans échappatoire, devant souvent subir ce qu'ils redoutent le plus. Techniquement, on est près ici à mon sens d'un film parfait. La caméra subjective qui aurait pu devenir très lourde, se révèle rapidement être subtile et magnifiquement évocatrice, devenant le meilleur élément de réflexion du film. Le tout se révèle terriblement violent et pénible, passant d'un massacre crématoire, à une scène trash hyper intense avec la mère de Régis jusqu'à sa performance finale, monologuant de façon fascinante en regardant directement dans l'objectif d'une caméra amateur. vu par un officier de police, transporte le film dans un chemin différent, très testotéroné avec des one liners à la pelle. Les dialogues atteignent une poésie réaliste poignante et terrible, surtout aidé par des acteurs 100% crédibles. Gildor Roy offre la plus grande performance de sa carrière et le reste du cast, brille par sa justesse. Il est physiquement parfait pour le rôle étant de forte stature mais aussi, aillant l'air d'un ourson délicat. On aura besoin d'un deuxième visionnement pour encore mieux comprendre ce film complexe mais jusqu'à la toute fin attirant, menant vers une finale tout simplement géniale et méditative. Beaucoup parlent de REQUIEM comme du plus grand film québécois à ce jour et même si notre sensibilité peut nous amener à préférer d'autres oeuvres, on ne peut nier ce joyau inoubliable. Abba
	The RESURRECTED - Dan O'Bannon avec John Terry, Jane Sibbett et Chris Sarandon, 1991, Canada, 108m  La femme de Charles Dexter Ward engage un détective privé pour découvrir ce que son mari trifouille dans un chalet isolé dans les bois. Chimiste talentueux, Charles attire de plus en plus d'attention vers lui puisque ses expériences dégagent des odeurs putrides qui nourrissent les soupçons. Alors que des étranges disparitions d'individus font rage dans la région, plusieurs en viennent à se questionner sur toutes les horreurs qui se trament dans ce sinistre chalet. Certainement pas l'adaptation cinématographique de Lovecraft la plus populaire, THE RESURRECTED ne manque cependant pas de bonnes idées. Par contre, il est vrai que le film prend un temps fou à se mettre en marche, mais pour les patients, il pourront probablement en tirer quelque chose. La tension monte très lentement, mais mène à 30 dernières minutes plutôt efficaces et qui ne lésinent pas dans les effets spéciaux. Les personnages, joués passablement bien par tout le monde, ne sont malheureusement pas très intéressants ni attirants. Par contre, l'atmosphère, la réalisation et les décors lugubres des catacombes du chalet valent certainement le détour et le visionnement. Malgré ses qualités, THE RESURRECTED tombe un peu à plat et c'est dommage, car avec un scénario plus travaillé, le film aurait certainement pu avoir une plus grande notoriété. Abba
	REVENGE OF THE RADIOACTIVE REPORTER - Craig Pryce, 1991, Canada, 1h20  Un reporter un peu con, salement fringué, invite sa copine et son frangin dans un party costumé pour une soirée de réjouissances, soirée au cours de laquelle il leur révèlera qu'il enquête sur un "gros coup" et qu'il est peut-être en danger. Le lendemain, il se rend à la réunion administrative du comité de gestion d'une centrale nucléaire, où il les accuse de négligence dans le traitement d'une fuite de matériel radioactif qui contamine les eaux locales et provoque de multiples cancers parmi la population. Le PDG l'amène faire un tour pour le rassurer sur leurs procédures de sécurité, puis le pousse dans un bassin de liquide fumant et, on l'imagine, toxique. En ressortira un homme nouveau, mélange égal du reporter con et d'un espèce de Freddy Krueger du pauvre, au visage ravagé par la radioactivité, déambulant dans un costume giallesque pour passer inaperçu tout en se vengeant de cette humiliation du derme, et en essayant de regagner l'amour de sa douce Richelle, une blondinette frisée qui n'est peut-être pas très prête à fréquenter ce Mr. Hyde permanent. Film canadien à petit budget, REVENGE OF THE RADIOACTIVE REPORTER fut la première carte de visite de Craig Pryce, un tacheron aussi connu pour la réalisation de THE DARK en '94, et de quelques épisodes sélectionnés parmi les séries télé les plus nulles et impopulaires de l'histoire récente de la télévision insignifiante. On se demande donc comment cette comédie horrifique, ni drôle ni horrifique, sur-éclairée et particulièrement mal jouée, a pu faire en sorte qu'on le voie comme un professionnel. Les deux personnages "principaux", si on peut se permettre, sont d'une nullité aberrante, et c'est là leur premier et seul film, heureusement. Que dire de l'acteur personnifiant le frère de la boule de latex !? Chacune de ses apparitions agace et émerveille; comment Pryce a-t-il pu laisser autant de cabotinage infantile dans le choix de ses prises finales !? Les effets spéciaux sont corrects sans être géniaux, mais ne rachètent rien; même à 1h20, le film est long pour quiconque n'ayant pas trop envie de perdre son temps. Voilà donc encore un beau boulot de visionnement-sacrifice pour lequel le reste des membres du Club me doivent une fière chandelle. Orloff
Takashi Naitô	REVIVAL BLUES - Claude Gagnon, 2002, Canada/Japon, 1h50 Un homme d'affaires japonais (Takashi Naitô), en visite à Okinawa, en profite pour aller rendre visite à un vieil ami (Eiji Okuda) qu'il n'a pas vu depuis plus de vingt ans, et avec qui il faisait partie, dans un passé assez lointain, d'un groupe de blues. Son voyage d'affaires n'est qu'un vague prétexte pour faire la paix avec son ami, avec qui il s'était jadis brouillé pour d'obscures raisons. Il apprend toutefois que ce dernier souffre d'un cancer généralisé, et qu'il n'a plus que quelques mois à vivre. Il fera alors tout ce qu'il peut pour regagner l'amitié du mourant, et pour rendre ses derniers jours agréables. Réalisé, scénarisé, photographié et monté par Claude Gagnon, un revenant du cinéma québécois, si l'on peut dire, qui s'est cantonné depuis '91 au rôle de producteur (LE PETIT CIEL, HISTOIRES D'HIVER), REVIVAL BLUES est une pure merveille d'intimisme, film "québécois" tourné au Japon avec des acteurs locaux en quelques semaines, et selon son auteur "dans un état de pur bonheur". Une curiosité, certes, mais un paradoxe; pourquoi, avec un scénario de cette qualité, Claude Gagnon a-t-il été forcé d'aller tourner son film au Japon ? Choix artistique, ou nostalgie des années '70 pendant lesquelles Gagnon a vécu là-bas ? Il était plus facile d'obtenir du financement, et c'était semble-t-il une question de production, les Japonais ayant des méthodes de tournage plus "expéditives" et beaucoup moins régies par la poigne de fer des syndicats. La trame narrative est donc très "japonaise", tant au niveau du rythme que du côté linéaire; le film est certes raconté en ordre chronologique, mais n'est narrativement pas très bavard, et le spectateur découvre de quoi il retourne progressivement, un détail minutieux après l'autre, des indices nuancés étant semés ça et là au fil du récit avec beaucoup de talent. On explore autant la très belle relation qui se tisse entre Ken (l'homme d'affaires) et Yosuke (le mourant), que l'éveil de Ken au monde qui l'entoure. Beaucoup de symbolisme ici, et une attention particulière au détail font du visionnement une expérience fort stimulante. Les lieux de tournage souvent surprenants (un bar-bunker cubiste d'Okinawa, les rues si particulières de Kyoto) sont un agrément visuel non négligeable et les dialogues, entièrement improvisés, donnent une certaine authenticité à l'ensemble. Yosuke, le mourant, est interprété par un ami de longue date de Gagnon, avec qui il avait tourné LE PIANISTE en '91, et qui donne ici une performance très juste et touchante. Ken, l'homme d'affaires à la libido débordante, est personnifié par Takashi Naitô, beau joueur qui est aussi apparu dans AFTERLIFE en '98, qui a fait partie de la série RASEN en '99 et qui a prêté sa voix au père de Chihiro dans le SPIRITED AWAY de Miyazaki !! Une actrice très populaire au Japon, Kaori Momoi, complète le tableau. Elle joue l'ancienne chanteuse du groupe de blues défunt, maintenant propriétaire décatie d'un petit bar de quartier et confidente de Ken. Momoi a entre autres collaboré avec Kurosawa pour son KAGEMUSHA en '80, est apparue dans LA FAMILLE YEN en '88, et dans SWALLOWTAIL & BUTTERFLY en '96 ! Un casting de béton donc, pour un superbe film, qui marque le retour à la réalisation de Claude Gagnon, principalement célèbre pour son KENNY en '88. OVNI dans le paysage cinématographique québécois parce que libre de toute mode ou tendance, cette co-production Japon / Canada sera prochainement sur nos écrans et je vous encourage fortement à lui jeter un coup d'oeil, car ça vaut largement le détour ! Orloff
	RIPPER aka RIPPER, LETTER FROM HELL - John Eyres avec C.J. Cook, Bruce Payne, Claire Keim, Jürgen Prochnow, Daniella Evangelista, Kelly Brook, 2001, Canada/Grande-Bretagne   Molly Keller (A.J. Cook, DESTINATION FINALE 2) est la seule rescapée d'un massacre perpétré par un tueur porté disparu. Quelques années après les faits, l'ex-gentille blonde désormais rebelle va à l'université et intègre une classe dont le sujet semble être l'étude des serial killer. Rapidement, des tensions se font sentir entre Molly et ses nouveaux camarades et le gentil professeur (Bruce Payne, WARLOCK III) présente un comportement pour le moins troublant et un humour des plus macabres. Après un cours mouvementé, nos chers étudiants se rendent à une méga-teuf où la cochonne du groupe se fait prendre en levrette dans les chiottes par un homme masqué. Émoustillée et quelque peu éreintée par les vigoureux coups de rein de son amant inconnu, la belle décide de quitter la fête. Mal lui en prend puisqu'un tueur l'intercepte et la charcute avec sadisme et délectation. On apprend en effet que les élèves de la classe de Molly sont dans le collimateur d'un tueur inspiré des crimes de Jack l'éventreur en personne. John Eyres (OCTOPUS) commence plutôt bien son film en tentant gentiment de le démarquer (un peu) du slasher conventionnel. Plutôt que de tomber dans le pièges de mettre en scène des jeunes amateurs de films d'horreur qui vont y aller de leurs sempiternelles et répétitives références, il s'oriente vers des aspirants criminologues. Malheureusement, plutôt que d'exploiter cet aspect, il cède à la facilité et une fois le meurtre de la salope de service passé, on sombre dans le slasher de base qui dresse un certains nombres de fausses pistes grossières (le prof tordu, le flic louche incarné par Jürgen Prochnow, la pétasse française interprétée par la d'habitude très lisse Claire Keim - qui prend bien soin de taire ce film au sein de sa filmo,...) et aligne les meurtres sur bande-son rock'n roll de façon désespérément moins excessive que celui de la salope précédemment cité. On a même droit à une ou deux scène de violon qui font méchamment tâche, et tout ça jusqu'à un twist final qui surprendra le novice en slasher uniquement. Kerozene
	RISE OF THE GHOSTS - Sv Bell avec Christine Gawi, Melantha Blackthorne, 2007, Canada, 93m Aidée d'amis et d'un médium, une jeune femme retourne dans une école abandonnée où sa soeur a été tuée par une infirmière démente. Elle espère contacter les âmes des étudiantes qui ont été torturées, spécialement le fantôme de sa soeur et de leur procurer la paix de l'Âme. Mais l'esprit de la nurse et les fantômes sur place ne vont pas lui faciliter la tâche, rendue plus difficile par une énigme qui se fait à jour. Plus proche d'un NIGHTMARE ON ELM STREET avec Melantha Blackthorne en infirmière au gant bardé de seringues, que d'un film de fantôme classique. La réalisation de Sv Bell prend encore du gallon, on remarque rapidement la qualité du montage visuel et sonore, les éclairages d'atmosphère et l'utilisation efficace de ces sous-sols chargés d'histoire. Encore une fois les actrices volent la vedette au acteurs, le médium ayant un rôle particulièrement sage et sans impact, curieusement, alors qu'on s'attend à un minimum d'implication de sa part. Melantha Blackthorne se la joue sobre, elle qui est plus exubérante dans d'autres rôles. On sent donc du sérieux dans l'approche, plus de retenue, plus de maîtrise aussi. Le travail d'ambiance sonore est remarqué, même j'aurait apprécié quelques silences bien placés, mais l'approche est comme dit précédemment, plus proche du slasher que du film d'ambiance asiatique. Le dénouement surprend, ce qui arrive somme toute peu souvent dans le cinéma indépendant. Notons les seconds rôles d'actrices familières avec le réalisateur, de Suzi Lorraine à Isabelle Stephen. La qualité des effets spéciaux est également à noter. On se plait à imaginer une sortie en salles pour le réalisateur Québécois qui vise de plus en plus haut, avec succès. Mario Giguère
	ROULETTE RUSSE aka RUSSIAN ROULETTE - Lou Lombardo avec George Segal, Denholm Elliott, Val Avery, Cristina Raines, Bo Brundin, Louise Fletcher, 1975, Canada-Angleterre, 1h28 Suspendu de ses fonctions, le policier Timothy Shaver se voit confier une ultime mission : protéger de l'assassinat le Premier soviétique Kossyguine, en visite à Vancouver... Production anglo-canadienne, cette bande de série B méconnue constitue une assez bonne surprise. Ancien chef-opérateur de Robert Altman, Lou Lombardo filme de façon élégante sinon très originale cette course-poursuite au montage serré sans fioritures, et à l'intrigue complexe. Les extérieurs à Vancouver en Colombie britannique sont judicieusement choisis. Avec son habituelle décontraction un peu gênée, George Segal met dans le mille dans ce rôle de flic un peu loser, jusqu'à un final vertigineux que n'aurait pas renié un Peter Yates ou un William Friedkin. A condition toutefois de ne pas en attendre monts et merveille ce modeste polar d'espionnage tient donc en haleine et permet de passer un agréable petit moment estampillé seventies ! Stelvio
	SAINTS-MARTYRS-DES-DAMNÉS - Robin Aubert avec François Chénier, Isabelle Blais, Monique Mercure, Patrice Robitaille, Pierre Collin, Sylvie Boucher, 2005, Québec, 115m Flavien travaille comme journaliste pour un journal spécialisé dans le paranormal et est visiblement en manque de nouveauté. Son patron, qu'il appelle son père, mais qui ne l'est pas, l'envoie d'urgence dans le petit village de Saints-Martyrs-des-Damnés avec le photographe, Armand. Il semble que bien des gens vont là-bas, mais personne n'en reviens. Sur le chemin, Flavien croit voir une mariée cadavérique qui glace le sang. L'endroit est sinistre et une des deux soeurs propriétaire du petit hôtel ou ils logeront croit le reconnaitre, même s'il ne l'a jamais vue. Armand disparait et personne ne semble vouloir l'aider ni se rappeler de lui. Il perd sa voiture, un bicycle, se promène à pied tout en étant écoeuré par des petits voyous ou le maire qui lui dit de déguerpir au plus vite. Flavien refuse de partir sans avoir retrouvé Armand et avoir découvert ce qui se trame dans cet endroit maudit. Une pure merveille que ce premier film de Robin Aubert, jadis mieux connu pour avoir été acteur dans la série télévisée pour jeunes Radio Enfer, tout comme la vedette principale, François Chénier. Une solide direction artistique, photographie, décors, costumes, effets spéciaux, effets sonores, qui ne sont pas sans rappeler l'univers de David Lynch ou Lars Von Trier ou, au détour d'un couloir, Stanley Kubrick. Le scénario, également d'Aubert, enfile les personnages aux noms en forme de descriptifs tel Ti-cul, Tite Fille ou Méchant. Les dialogues sont très courts et vont à l'essentiel, comme celui-ci : - Je t'aime. - Pourquoi tu me dis ça ? - Pour que tu le sache. Le réalisateur décrit son film comme un drame psychologique de science fiction. C'est confiner le récit à ses aspect les plus reconnaissables, mais j'y vois aussi une fable initiatique, empreinte d'une poésie parfois surprenante, comme cette scène d'amour ou les deux corps enlacés flottent en tournant devant les décors de la ville. Il y a beaucoup de non dit et de mystère qui subsiste après avoir terminé le film qui n'est pas nécessairement facile d'approche. J'ai été carrément étonné par l'ensemble et la force d'évocation de nombreuses images et une fin forte autant qu'inattendue. Beaucoup des acteurs, biens connus au Québec, sont dans des rôles loin de leur zone de confort, mais tous sont à la hauteur du projet. Les effets spéciaux sont efficaces et fascinants. Bref, un film étonnant et absolument fascinant. Chapeau. Prix du public au Festival international de films du Luxembourg et prix de la Meilleure réalisation au Festival International de films fantastiques de Oporto au Portugal. Pour une rare fois, les scènes coupées au montage offertes en supplément sont vraiment intéressantes et semblent avoir été omises simplement pour resserrer la durée du film. Mario Giguère
	SANTA'S SLAY - David Steiman avec Bill Goldberg, Douglas Smith, Emilie de Ravin et Dave Thomas, 2005, Canada/États Unis, 78m Nous sommes à Noël, Santa Claus arrive dans la petite ville de Hell Township ( oulalala) et malheureusement pour tous les habitants, le sympathique monsieur tout rouge décime et élimine tout sur son passage. Nicholas Yuleson, adolescent plutôt égaré et sa copine décident de tenter de comprendre pourquoi le père Noël est dans une folie meurtrière, ce qui va réserver à nos deux héros un beau lot de surprises! Un film où le Père Noël tue littéralement des gens, c'est d'avance quelque chose de vendeur. Quand le Père Noël se trouve à être joué par le terrible Bill Goldberg, c'est absolument à voir. Évidemment, ça ne se prend pas au sérieux du tout et les meurtres sont foutrement ridicules ( Goldberg qui élimine James Caan avec une cuisse de dinde). Le moment le plus efficace du film reste sans doute la séquence d'ouverture qui est magnifique avec quelques visages très connus qui se font trucidés comme Fran Drescher, James Caan et Chris Kattan.Le reste n'a pas à avoir honte malgré un petit creux plus ou moins intéressant au centre du film, ce qui est un exploit pour un projet de ce type. Niveau acteur, c'est très oubliable mais Goldberg est un délice à voir aller, ainsi que Dave Thomas dans le rôle du révérend qui se trouve à être le personnage le plus méchant du film et qui aura le sort qu'il mérite. Les one-liners sont efficaces Le film a l'air prometteur avec sa pochette, on a de quoi s'attendre à un pétard mouillé mais non, c'est rigolo et les attentes sont comblées pour ma part. C'est con et débile, mais c'est assumé jusqu'à la fin et on ne peut qu'être enthousiaste de voir Goldberg botter un caniche ou lancer l'étoile de de Noël façon ninja dans le dos d'une pauvre victime. Un nouveau classique de Noël! J'exige une suite. Abba
	SCREAMERS aka PLANÈTE HURLANTE - Christian Duguay, 1995, Canada  En 2078, sur la lointaine planète Sirius B et ses déprimants paysages désertiques, vivent les derniers soldats d'une guerre intergalactique qui vit terriens contre terriens se massacrer. L'arme ultime développée durant cette guerre, ce sont les hurleurs (screamers donc), de petits robots autonomes munis de lames circulaires et découpant en morceau à peu près tout ce qu'ils croisent sur leur route. Mais les screamers se sont développés d'eux-mêmes et ont acquis une indépendance menaçante ainsi qu'une formidable capacité de développement. C'est ce que découvre le commandant Hendricksson (Peter Weller) lorsqu'il recueille un petit garçon apparemment innocent mais dont l'enveloppe dissimule une robotique de pointe, et surtout un danger pour les siens. Christian Duguay (SCANNERS II et III) adapte Philip K. Dick sur un scénario de Dan O'Bannon. Et effectivement, on retrouve les thèmes dickiens de rigueur : double identité, paranoïa, faux-semblants... Mais si les précédentes adaptations de K. Dick, comme BLADE RUNNER ou TOTAL RECALL parvenaient à nous bluffer en nous mettant en lieu et place du protagoniste principal et en nous faisant douter de l'identité de chacun, Duguay lui manque définitivement de subtilité à tel point que les ficelles qu'il utilise s'apparentent plus à des cordes d'amarrage. Pas de surprise donc dans SCREAMERS, on se rattrape comme on peut sur les quelques dialogues bien sentis (" Qu'est ce que je fais depuis une heure ? Des ronds de fumée avec mon cul ? ") et les quelques timides effets gores perdus au milieu d'images de synthèse pas très belles. SCREAMERS est un divertissement oubliable. Kerozene
	SEDUCTION OF EVIL - Andre Dubois avec Isabelle Stephen, Kerri Taylor, Andre Dubois, Daniel Brown, 207, Québec, 45m Un homme dans la cinquantaine (André Dubois) retrouve son ancienne flamme (Isabelle Stephen) qu'il croyait morte. Elle n'a pas vieillie d'un jour, car elle a été séduite par le mal incarné: Dracula (Daniel Brown). Doit-il détruire l'amour de sa vie ou rejoindre la vie éternelle de sa bien aimée ? Hommage réussit à la firme Hammer réalisé avec brio. Scénarisé et mis en scène par André Dubois, grand amateur de la firme anglaise, SEDUCTION OF EVIL réussit son pari de retrouver la sensualité, le frisson et la mise en scène avec des influences de Mario Bava ou Dario Argento aux éclairages. Entouré de professionnels et d'amateurs avertis pour un tournage qui s'étire sur plus de deux ans, Dubois surprend par la qualité de ses cadrages et des éclairages, la sensualité qui ne tombe jamais dans le mauvais goût et la sobriété des émotions qui se dégagent de l'oeuvre. Car la nostalgie, du passé amoureux du protagoniste, et du réalisateur pour une époque révolue, est le leitmotiv d'un moyen métrage qui annonce l'arrivée d'un réalisateur à surveiller. Dubois parle maintenant d'une trilogie et on rêve déjà à l'épisode qui devrait mettre en vedette nul autre que Santo, autre héros du réalisateur. Daniel Brown est magistral dans le rôle de Dracula. Mario Giguère
	SHE DEMONS OF THE BLACK SUN - SvBell avec Isabelle Stephen, Melantha Blackthorne, Suzi Lorraine, Kerri Taylor, Marie-Claire Benoit, Penelope Jolicoeur, Jan Pivon, 2006, Québec Isabelle, une étudiante étrangère, aime danser au bar Black Sun. Mais ses nouveaux amis vont la droguer et abuser d'elle. Elle se retire alors dans son sous-sol ou elle invoque un démon pour l'aider à se venger des quatre malotrus. Les agresseurs deviendront les victimes, séduits par les démones qui les transportent vers Isabelle qui va les punir en s'inspirant des positions respectives des actes commis ! Un nouveau film pour SvBell, missionnaire de la série B qui s'entoure d'amateurs pleins de ressources et qui améliore le produit final. Malgré quelques longueurs et passages prévisibles, l'ensemble est bien monté, avec des effets toujours bien dosés et quelques scènes chocs qui ont eu leur bel effet. Si la balance du son est faible dans les scènes du bar, le reste du film est efficace, tant au niveau de la prise du son, du montage, remplit d'effets de transition bienvenus (poussant l'audace jusqu'à une séquence en enfer !), que de l'ensemble du jeu des comédiennes. Melantha Blackthorne est superbe en démone défigurée et assure une présence remarquable. Isabelle Stephen est plus naturelle dans son jeu, c'est vraiment autour d'elle que tout se déroule et elle assure bien durant les séances avec Melantha et les scènes gore imaginatives. Soulignons la présence d'Ivan Judd, au look de Frank Zappa, qui a les répliques les plus drôles du film et la mort la plus jouissive. Les séquences en psychothérapie rappellent immédiatement le précédent THE NIGHT THEY RETURNED par le procédé scénaristique et la photographie plutôt sombre pour un cabinet médical. La nudité est pour une première fois présente et abondante, mais justifiée par le sujet, après tout on est dans le "Rape and Revenge". SvBell bénificie d'un budget un tant soit peu plus confortable avec $20,000 dollars, mais on reste dans la série B aux moyens très limités. L'équipe s'en tire très bien, la musique est entraînante et l'on annonce un authentique film de femmes en prison doublé de fantômes comme prochain projet. Ca promets ! Mario Giguère
	SHUT  IN aka Oppression - Farren Blackburn avec  Naomi Watts, Charlie Heaton, Jacob Tremblay, Oliver Platt, 2016, Canada/États Unis/France/Inde, 91m Maine, États Unis. Lorsque Mary et son époux décident de placer Stephen, leur adolescent agressif, dans un établissement spécialisé, il cause un accident de voiture. Le père est mort,  Stephen est dans un état végétatif. Mary, psychologue pour enfants, se rapproche d'un jeune patient sourd, Tom, incapable de socialiser, après qu'elle viens de faire des progrès et qu'elle est mal à l'aise de le voir placé, comme Stephen. Tom s'enfuie et est introuvable. Mary s'en veut et pense le voir dans sa maison, au grand dam de son propre psychologue qu'elle consulte. Pendant que l'on annonce une tempête hivernale, tout va changer.  Curieux mélange que voici. Alors qu'on se demande si elle voit le fantôme du petit, que tout le monde croit mort, j'ai bien finit par me demander si le titre ne renvoyait pas à son ado coupé du monde plutôt qu'à une éventuelle tempête qui allait les isoler. Tempête largement annoncée qui ne se concrétise pas vraiment, à l'écran du moins, il ne tombe pas grand chose. Mais effectivement le terme Shut In, en psychologie, désigne une personne confinée suite à un problème physique ou mental. Au Japon on parle de Hikikomori pour adolescent ou adulte qui se retire de la vie sociale. Je ne vous dirai pas de quoi il en retourne, mais le scénario change du tout au tout durant la deuxième moitié. Si Naomi Watts (Ring) est toujours intéressante et Charlie Heaton (Stranger Things) intense, on a peine à embarquer dans cette histoire cousue de fil blanc qui ne sait plus si on nous refait le coup des nombreux films d'enfants fantômes ou de The Shining. Au final, je n'ai pas trop été impressionné par une réalisation pas trop convaincante non plus. Malheureusement, à ranger dans les vite vu et vite oublié. Mario Giguère
	SILENT BUT DEADLY - Stephen Scott, 2011, Canada Jason Mewes, c'est le pote de Kevin Smith qui incarne le bavard Jay dans le duo Jay & Silent Bob. Ici il tient le rôle de Thomas, un jeune redneck zoophile avare en paroles, à l'image de Silent Bob justement. Mais le parallèle s'arrête là, puisque Thomas n'est pas un fumeur de ganja passif, mais un bouseux fêlé du bulbe qui va déglinguer son paternel et les deux épouses lesbiennes russes de celui-ci, avant de prendre la fuite avec sa chèvre et intégrer l'équipe technique d'un petit film d'horreur en tournage dans les environs. Alors qu'un sheriff nain et son adjoint noir enquêtent sur la mort des victimes sous la caméra d'une jolie documentariste, Thomas parvient à garder profile bas... jusqu'à ce que le cuistot jamaïcain de la production ne transforme sa compagne à cornes en burritos. Ça commence très fort avec une scène pré générique qui promet monts et merveilles: personnages tordus, lesbiennes à poil, du gore old school et un humour au ras des pâquerettes. Seulement voilà: l'illusion s'estompe rapidement, ce qui n'est pas vraiment la faute à la mise en scène pantouflarde ou à une histoire sans grand intérêt malgré quelques sympathiques blagues idiotes amenées par les deux flics débiles (enfin... surtout le nain), le réalisateur tyrannique, sa starlette forcément stupide et son staff de bras pétés. Non, le gros problème se situe au niveau des meurtres à l'arme blanche épouvantablement réalisés à base d'images de synthèse honteuses. Les corps sont découpés en morceau à grand coup de logiciel bon marché. Quant à Jason Mewes, dont les seules paroles se limitent à énumérer le nom des armes qu'il s'apprête à utiliser, on ne peut pas vraiment dire qu'il crève l'écran. Kerozene
	SILENT HILL - Christophe Gans avec Radha Mitchell, Laurie Holden, Deborah Kara Unger, 2006, Canada/Japon/États Unis/France  Rose veut à tout prix visiter Silent Hill parce que sa fille adoptée, somnambule, ne cesse de prononcer son nom. Dès leur arrivée, Rose doit retrouver sa fille perdue dans cette ville fantôme, cité victime d'un incendie de mine qui ne s'est toujours pas éteint. Son mari essaie de la rejoindre, mais se trouve aux prises avec la police et le sombre mystère de Silent Hill. Je dis d'abord que je ne connais pas le jeu. Je dis tout de suite après que ça me tente de m'y plonger ! Gans nous embarque dans un voyage avec quelques ficelles connues, mais avec des surprises aux bons endroits et une mythologie superbe. La caméra est souple, la musique, souvent en retrait, est superbe. Radha Mitchell ne convainc pas dans un premier temps, mais elle fait sa marque et Laurie Holden est surprenante. Ambiance suffocante, monstres magnifiques et gore bien senti, on pense souvent à Clive Barker pour l'imagerie. J'ai carrément été surprit par la montée gore, la quantité de sang et de torture à l'écran, ça secoue. Une adaptation qui ne sent pas l'adaptation et un très bon film d'horreur, point à la ligne. Merci monsieur Gans ! Mario Giguère
	SINNERS AND SAINTS - Melantha Blackthorne, 2004, Canada Un curé en cuire expert en art martiaux, armé de grosses pétoires, portant des ray-ban et une paire de bottes aux semelles compensées, dessoude les suppôts de Satan à grands coups de pompes dans les dents. Aidé par une nonne qui ne rechigne pas à se battre les seins à l'air, il va découvrir l'incroyable vérité sur une espèce extraterrestre devenue cruelle malgré elle. Melantha Blackthorne, actrice pour Sv Bell sur THE NIGHT THEY RETURNED et PURPLE GLOW, signe un gros délire gothico-humoristico-trash qui passe de la farce ahurissante au jeu vidéo rétro. Grâce à un sens de l'humour pas toujours fin mais constamment présent ainsi qu'un certain sens du rythme, ce film tourné en MiniDV se laisse voir avec amusement malgré ses nombreux défauts. Parmi ceux-ci, on retiendra principalement l'utilisation abusive de décors numériques atrocement laids, quelques effets gratuits en images de synthèse grossières, une musique gothique qui ne plaira qu'aux initiés, des acteurs amateurs pas toujours convaincants et un scénario extrêmement confus. Mais les points positifs permettent de contrebalancer tout ça: outre la nonne à moitié à poil, on a droit à quelques passages gores pas piqués des vers (un coup de pied entre les jambes fait sortir la bite de la victime par sa bouche et ses testicules par les oreilles), des scènes de kung-fu étonnamment bien filmées et montées - chose finalement rare dans le cinéma occidental, des démons lubriques, un viol dans un cimetière, des cyber-cénobites femelles qui ont le feu aux fesses et une quantité de gags salaces au mauvais goût aussi prononcé que le sujet du film. Et le plus étonnant finalement, c'est que c'est une femme qui est responsable de ce petit budget irrévérencieux! Alors certes, ce n'est pas le film de l'année, mais il n'empêche qu'autant d'idées tordues, même emballées de manière parfois douteuse, ça fait plaisir. Kerozene www.sinnersandsaints.org
	SNAKE EATER 2 - THE DRUG BUSTER - George Erschbamer avec Lorenzo Lamas, Michele Scarabelli, Larry B. Scott, Kathleen Kinmont, Canada, 93m Cette franchise est particulièrement épuisante. J'imagine Lorenzo Lamas qui reçoit un appel du producteur: P - Yo Lorenzo! L - Yazzzziiiiirrrr...? P - Je sais que tu viens tout juste de revenir chez toi après le tournage du premier volet, mais on a l'goût de faire une suite, tout de suite. L - Tout de suite? P - Ben, elle sortirait cette année aussi. L - Ouin... ça sonne comme beaucoup de travail, quand même... P - Oui et non. Tu l'sais ben qu'on va botcher. L - Est-ce que je vais encore affronter des rednecks qui font des décisions douteuses? P - Non, cette fois-ci, ça va être urbain. Tu vas aider un prof de danse à éliminer tous les trafiquants de cocaïne en ville. L - O... kay... alors, je danse? P - Non non, pas besoin. L - Cool, alors je suis encore policier? P - Non! C'est ça la beauté. Tu vas être interné dans un institut psychiatrique. L - ???!! huh? P - Il va y avoir un pasteur obsédé sexuel, plein de gars qui ont pas l'air fous, et un monsieur ben violent avec des prothèses faciales douteuses comme dans "The Beast in Heat" de Luigi Batzella, as-tu vu ça? L - Euh, non... P - Anyway, y'a pas de fille toute nue cette fois-ci mais tu vas flirter avec ta psychiatre. Y'a aussi une scène vraiment cool où vous forcez des caïds enfermés dans une pièce à faire d'la poud' jusqu'à ce que mort s'ensuive. L - Mais... P - Good? On t'attend au studio lundi matin. Distribution: Cinépix. Orloff Manera
	SPACEMEN, GO-GO GIRLS AND THE TRUE MEANING OF CHRISTMAS - Brett Kelly avec Brett Kelly, Jody Haucke, Anne-Marie Frigon, 2004, Canada, 33m Deux habitants d'Uranus débarquent sur terre pour trouver le carburant nécessaire question de gagner la guerre contre Jupiter. Ils trouvent sur leur chemin la branche canadienne des l'Alliance internationale des danseuses à Go Go combattantes du crime ! Ca va barder ! Tournage vidéo sur le campus universitaire d'Ottawa et des environs avec une bande de joyeux lurons et de sensuelles danseuses dans cette parodie de vieux bis qui fait la large part aux jeux de mots et batailles farfelues. Extraits de Phantom Planet pour les fusées, musique de circonstance et enthousiasme de bon aloi font de cette histoire une bonne partie de rigolade pour amateur du genre. En prime Brinke Stevens en dirigeante des Go-Go Girls, yes, et le premier ministre du Canada, not really. La branche Russe des danseuses justicières est tordante ! Mario Giguère
version 2001	SPACEMEN, G0-GO GIRLS & THE GREAT EASTER HUNT - Brett Kelly avec Renee Morra, Sonya Myers, Jodi Pittman, 2005, Canada, 18m Le grand méchant carnivore Baltok s'est évadé des prisons d'Uranus. Ressemblant comme deux gouttes d'eau au Grand Lapin de Pâques, il arrive sur terre. Gare aux Go-Go Girls qui se rendront jusqu'à l'Île de Pâques, de circonstance, pour arrêter ce monstre, en compagnie des deux crétins de l'espace aperçus lors de l'aventure précédente. On rempile pour un court qui fait la belle part aux Go-Go Girls avec rencontre de la branche de l'île célèbre. Brett Kelly y va plus court, question de ne pas étirer la sauce, et l'on s'amuse encore devant les gags foisonneux et les jolies danseuses. Mention au grand boss d'Uranus, un ersatz du grand MING de Flash Gordon, désopilant. On attends la suite ! Mario Giguère www.brettkelly.net
	SPLICE - Vincenzo Natali avec Adrien Brody, Sarah Polley et Delphine Chanéac, 2009, Canada, 104m  Clive et Elsa sont un jeune couple travaillant en tant que scientifique pour une compagnie pharmaceutique. Ensemble, ils tentent de trouver des façons de créer un hybride homme et animal et réussissent enfin à arriver à un prototype. Leur création se nomme Dren et développe rapidement des caractéristiques humaines étonnantes, tout en gardant un dangereux côté animal. Quand la compagnie se rend compte de l'expérience, les dirigeants décident de tout terminer et Clive et Elsa décident de continuer l'expérimentation en amenant Dren à une ferme abandonnée. Sauf que cette dernière développe son côté sexuel et cet aspect vient dangereusement compliquer les choses, alors qu'au même moment, ils apprennent que leurs expériences ne va pas dans la direction espérée. Le thème de la création scientifique a été tellement exploité au cinéma, que son exploration même a quelque chose de fatiguant. Vincenzo Natali par contre, réalisateur original, décide d'aller un peu plus loin et de moderniser le mythe. Il est évident que dans ce type de film, l'évolution de la créature est un aspect intéressant, mais je dois admettre que j'ai préféré voir la façon dont on a rendu l'univers scientifique avec ses failles et son avidité. Cependant, SPLICE n'est pas une expérience très prenante, surtout à cause de certains éléments du film. D'abord, Sarah Polley et Adrian Brody, deux très bons acteurs qui n'ont aucune chimie en tant que couple et ne réussissent pas à me prouver une seule fois, qu'ils sont vraiment des grands scientifiques. Ensuite le problème du rythme, Natali est à son meilleur quand il montre son univers, mais quand vient le temps de faire peur, de bouger, de stresser, il est convenu et très peu intéressant, surtout sa fin calqué sur tous les films d'horreur avec créature. Pourtant, c'est dans des moments plus insolites comme la fameuse et décriée scène sexuelle, la présentation des deux espèces de gélatines devant un public qui aura une mauvaise surprise et dans la progression de la créature qu'on y voit quelque chose de bien et d'audacieux. Abba
	STARDOM - Denis Arcand, 2000, France/Canada  Welcome to Denis Arcand's fantasmes. Le film avec lequel les médias nous  battent les oreilles depuis au moins un mois - on a vu Arcand partout, des  CHOIX DE SOPHIE à CHRISTIANNE CHARETTE, et là ça va mal parce que je  n'écoute jamais la télé, il a dû visiter beaucoup d'autres plateaux - se révèle en fait être plus éloigné du cinéma qu'on pourrait imaginer. On dirait par moments qu'il est devenu un téléfilm, alors qu'ironiquement il essaie de critiquer le milieu de la télé et de la célébrité...  Qu'arrive-t-il à une jeune fille pulpeuse, qui n'a aucun talent particulier si ce n'est sa beauté, quand une agence de mannequins décide de la  propulser "au sommet" ? La réponse est là : rien. Par le truchement de nombreuses parodies des "styles" télévisuels de diverses stations, Arcand nous informe du cheminement de Tina, l'écervelée et poitrinaire Jessica Paré, que l'on ne voit toujours qu'à travers les innombrables "médias" qui la guettent jour et nuit. Robert Lepage interprète un vidéaste "branché" et ténébreux qui filme ses moindres mouvements, ce qui nous permet aussi d'être témoin de sa "vie privée". Il y a quelques moments fort amusants, dont les scènes où figure Frank Langella - qui personnifie un ambassadeur luxurieux qui devient fou à cause de la beauté de Tina - et les rires procurés par la parodie de Musique Plus, où nous avons droit à une veejay hyperactive complètement inculte. En général divertissant, le film a ses limites, mais elle ne nuiront pas à sa carrière. Le point le plus frustrant, selon moi, reste la "pixelisation", pour respecter l'esprit "télé" peut-être, des seins de miss Paré lorsqu'elle se retrouve nue. Disons seulement qu'on ne va pas faire ça à un public anxieux de voir les  glorieuses mamelles, c'est inadmissible. Parce que paraît qu'en plus, elle a bien aimé tourner les scènes déshabillées, la p'tite... Orloff
	SUBCONSCIOUS CRUELTY - Karim Hussain, 1999, Québec, 92m Autours du thème suivant: Lorsque l'hémisphère droit du cerveau prend le dessus sur la gauche, les individus éprouvent des désirs de sang et de sexe. Le film s'articule autours de 4 séquences: Un homme qui éprouve des désirs incestueux envers sa soeur enceinte, tue le nouveau né à sa naissance et enduit sa soeur avec le sang; 5 personnes nues font une orgie sanglante avec la terre qui saigne abondamment; Un cadre dynamique d'une Cie se masturbe devant des vidéos pornos et des "aliens" lui donne une piqûre dans le cerveau pour détruire son hémisphère droit du cerveau; Jésus-Christ après s'avoir lamenté sur la rue St-Catherine ouest se fait violer et dévorer par 3 belles vampires nues. Expliqué comme ça, ca ne donne pas beaucoup de rapport. Mais avec l'aide judicieux d'un narrateur, "l'histoire" se tient un peu plus. Le film mélange abondamment les thèmes de la religion, du sexe, de la violence, de l'inceste, du cannibalisme et du capitalisme dans le but évident de choquer le maximum de spectateur et ainsi apporter le maximum de publicité au film. Et, je dois avouer que ca fonctionne bien. Lors de la scène de "l'avortement", j'ai entendu un nombre incroyable de fois la porte de sortie claquée derrière les spectateurs qui quittaient le film et qui se demandait comment des gens pouvaient payer pour voir un tel film. Puis pour ajouter à mon plaisir, 2 fanboys assis à coté de moi n’arrêtait pas de porter leurs doigts devant leur visage et de lancé des: "Ho God !", "It's fuck top!", "It's Disgusting". Dans l'assistance, Karim Hussain accompagné de sa mère (une très gentille dame en passant) étaient très fiers du résultat. C'est beaucoup mieux que DIVIDED INTO ZERO de Mitch Davis. Les mouvements de caméras sont très fluides, la photographie avec des couleurs bleu et rouge à la INFERNO était excellente et la trame sonore (enregistrée à Tokyo) était tout à fait sublime. Certes, le film choque et se veut politiquement incorrecte. Mais au moins, il livre la marchandise et de manière tout à fait compétente pour un film au budget limité (100000$) et par un tournage qui c'est étendu sur 6 ans. Et de plus, le film n'est pas seulement une accumulation de scènes gore extrêmes, il y a un propos réel derrière tout ca. Bref, j'ai bien aimé le film. Black Knight inflictionfilms.com
	SUBHUMAN aka Sous-Humains aka Shelf Life - Mark Tuit avec William MacDonald, 2004, Canada, 90m Martin tranche des têtes et lorsqu'il part à la poursuite d'une victime, il est frappé par une auto. Le jeune couple au volant, malgré son insistance, l'amène passer la nuit à la maison car il refuse d'aller à l'hôpital. Erreur. Maintenant "ils" savent qui ils sont et vont venir les tuer. Martin explique finalement qu'il poursuit et tue des parasites à l'allure humaine, ce qu'on appellerait des vampires, le corps sans organes abritant un parasite qui se nourrit du sang de ses victimes. Le couple devra accepter cette réalité et rapidement apprendre à trancher les adversaires qui pullulent. Ca sent le film indépendant et s'en est un, tourné à Vancouver pour un maigre budget, Subhuman bénéficie d'un très bon scénario et d'un acteur principal formidable. Il y a aussi quelques belles transitions dans le montage, bref, c'est assez bien ficelé. Malheureusement les effets spéciaux ne sont pas à la hauteur et sont parfois limite ridicule. William MacDonald est convaincant et très intense avec des dialogues remplit de maximes philosophiques et de paraboles qu'il dégaine à répétition. Il m'a fait penser à l'intense Léon de Blade Runner. Le reste du casting est faible, malheureusement. Reste un film différent qui renouvelle le film de vampires, ce qui n'est pas rien, et qui offre de bons moments intenses. Mario Giguère
	SUNDAY IN THE COUNTRY - John Trent avec Ernest Borgnine, Michael J, Pollard, Hollis McLaren, Cec Linder, Vladimir Valenta, 1974, Canada, 92m Par un beau dimanche d'été dans la campagne de Locust Hill, Adam se prépare à aller à la messe en compagnie de sa petite-fille, Lucy. On annonce à la radio un vol de banque commis par trois acolytes qui ont laissé deux morts sur place. De retour à la maison, Adam aperçoit ce qui semble être les crapules, qui ont entre temps tué un autre couple, croisé le matin même par Adam et Lucy. Le vieux fermier se prépare à les recevoir.  Troisième livraison de la collection Rednecks de l'éditeur Artus Films, le film, connu aussi sous le titre de Self Defense, s'inscrit dans la vague de films de campagnards hyper violents tel Délivrance ou Massacre à la Scie, mélangé aux films de vigilante chers à Charles Bronson ou Clint Eastwood à l'époque. Mais John Trent et son scénario, écrit par Trent et Robert Maxwell, y vont de surprises nihilistes et de malaises avoués ou non dits qui le rendent des plus intéressants. Ernest Borgnine est évidemment excellent dans le rôle de père vieux jeu qui ne comprends plus le monde moderne, sa petite fille, sa femme qui l'a laissée il y a des années, a enfin l'occasion de torturer des salauds en tout impunité, selon lui, puisque les criminels se sont présentés sur son territoire avec de mauvaises intentions. Il agit donc en tout légitime défense. On pense connaître le topo, mais Lucy, victime potentielle, a d'autres idées de la justice. Le jeu dangereux auxquels les protagonistes vont se livrer est fascinant. On remarquera au passage la présence de Cec Linder, vétéran vu auparavant dans Goldfinger, Lolita ou Quatermass and the Pit, ici dans le rôle d'un des trois voleurs. La fin est surprenante et typique du nihilisme de l'époque. Un film à découvrir. Le film arrive dans un coffret Livre + Blu-Ray + DVD remarquable. Si on retrouve avec plaisir le spécialiste du genre Maxime Lachaud dans une présentation vidéo, il profite du livret de 64 pages pour approfondir le sujet de manière édifiante. Version intégrale non censurée, version anglaise ou française d'origine,  diaporama d'affiches et de photos, ainsi que films annonce complètent l'offre. Mario Giguère
	SUR LE SEUIL - Eric Tessier, Québec, 2003  Je ne vais quand même pas vous faire un review trop détaillé avant la sortie film. Mais, je vais seulement vous en dire quelques mots. Le film de Eric Tessier est très bon. Lui et Patrick Senécal (qui est présent dans le film), étaient là pour présenter le film et ils ont vraiment aimé la réaction du public. il s'agit d'un habile thriller surnaturel avec aussi quelques touches de gore. Tellement que je me demande si ça ne risque pas d'être interdit pour les moins de 18 ans ou légèrement coupé. Il y a une scène qui pourra certainement causer un problème pour monsieur et madame tout le monde qui vont penser aller voir seulement "un p'tit film d'horreur avec Patrick Huard et de Michel Coté". Un spectateur de Fantasia derrière moi à eu un malaise lors de la scène finale du film tellement c'était intense. Tellement que Daniel avait dû prévenir un gardien de sécurité pour s'assurer de son bien. J'espère maintenant que j'ai suscité chez vous quelques attentes! Black Knight Personne n'ose parler ici de ce film et je comprends pourquoi maintenant.  L'histoire: Un psy reçoit à son hôpital un auteur à succès d'horreur {wow!} dont même les ébauches d'écrits se concrétisent. -Ça promet donc une "méchante bonne pelleté" de scènes à couper le souffle ! Sauf qu'avec une bonne musique et de trop nombreux "courts intermèdes-abstrato-psychéliques" {malheur à celui sur la route avant la conclusion}, le film ne fait que promettre et l'attente s'avère inutile. J'en suis même sortie épuisée à aider la gang. Puis cette question: le ketchup est-il si dispendieux ici? -Vive la photocopieuse{1seconde} et à bas l'actrice qui joue la nounou ayant le même look même 36 ans auparavant {ce n'est pas elle le "mal"?}. Deadmonton Sur le seuil est un bel exemple de quoi ne pas faire lorsque l'on vend un film : celui de créer des attentes tellement grandes chez le spectateur qu'il en devient impossible de le satisfaire au point d'arrivée. Le projet s'avérait alléchant, une adaptation du roman du " Stephen King " québécois qui donnerait ainsi naissance au premier thriller fantastique québécois ( ce qui d'ailleurs, est faux, les cinéphiles avec un peu de mémoire se rappelleront Le Diable est parmi nous avec Danielle Ouimet ainsi que Dans le ventre du dragon). Les bandes-annonces montraient des images terrifiantes, annonçant un film d'horreur digne des plus grands chefs d'œuvres américains, de quoi mettre l'eau à la bouche des amateurs patriotiques du genre. Je me souviens d'ailleurs que la bande-annonce en question était projetée avant le film principal lors du Festival Fantasia et les spectateurs, qui détestent les publicités, l'écoutaient avec un silence religieux. D'ailleurs, Sur le seuil avait fait son avant-première lors du Festival, les commentaires s'avérèrent excellents et on parlait même de l'un des meilleurs films d'horreur de l'année 2003. Pour ceux comme moi qui l'avaient manqué, il a fallu attendre impatiemment jusqu'au mois d'octobre pour pouvoir enfin voir nos écrans de multiplexes se couvrir d'hémoglobine bien de chez nous. La majorité d'entre vous connaisse déjà le synopsis du film, alors nous passerons immédiatement à la critique. Sur le seuil avait le matériel nécessaire pour être une belle réussite, mais s'avère être une gigantesque déception. Pas un ratage complet, on note quelques bons éléments, mais l'ensemble ne répond pas aux attentes qu'il a promis. D'abord, le scénario surprend par son manque d'originalité, on ne sait combien de fois on n'a vu une histoire d'auteur dont les écrits deviennent réels, bien sûr, ce concept, si mieux fait, aurait pu donner de quoi d'original, mais ce n'est pas le cas. Le film devient tellement prévisible que l'on devine la fin quinze minutes après le début. Les dialogues atroces, qui rendent l'œuvre complètement ridicule, ne viennent pas aider la cause. En fait, ils sont tellement ridicules qu'il cause parfois même l'hilarité. Lorsqu'ils sont dits par des personnages unidimensionnels tellement bernés, on se demande ce que les scénaristes faisaient lors de l'écriture du scénario. En effet, chacun d'eux a un comportement bien spécifique, l'un croit, l'autre pas, l'autre on sait pas et le garde tout le long du film. D'ailleurs, les développer un peu plus n'aurait servi à rien puisque la majorité d'entre eux ne font qu'une apparition de quinze minutes dans le film pour ensuite disparaître complètement. D'un point de vue technique, la réalisation d'Éric Tessier est classique, à défaut qu'il ai décidé de rendre son image très pâle pour donner un look médical, ce qui marche relativement bien dans les scènes d'hôpital. Il utilise également la caméra à l'épaule qu'il s'amuse à brasser dans les scènes épeurantes pour créer un suspense, mais on a vu ce truc tellement de fois qu'il ne marche plus très bien. Le plus étrange du film reste l'apparition continuelle de quelques secondes d'images psychédéliques qui entrecoupent continuellement le film, comme si le réalisateur voulait nous rappeler que l'on écoutait une œuvre différente des autres. Malheureusement, l'effet rate puisque ces images sont tellement dénuées de sens que l'on a plutôt l'impression de voir des bandes-annonces pour un film expérimental. Les acteurs sont très mauvais, Michel Côté joue de manière tellement grosse que l'on ne croit pas du tout à son personnage et que l'on se bouche les oreilles lorsqu'il ouvre la bouche pour émettre un autre de ses atroces phrases. Patrick Huard est correct lors des premières scènes où il reste silencieux et amène même, par sa présence, un certain climat de mystère, mais dès qu'il se met à parler et à montrer ses talents très minces de comédiens, on croit avoir droit à l'un de ses numéros d'humoriste. Seul Albert Millaire se démarque du lot avec un jeu sobre et dans le ton. Sa présence, bien trop courte, amène le climat de mystère que l'on a cherché désespérément tout le long du film. D'ailleurs, ses quinze minutes de gloire où il raconte son passé dans l'église s'avère être le meilleur moment du film où Tessier a réussi à enfin créer un bon suspense et une tension qui garde le spectateur rivé sur son siège. D'ailleurs, ce moment du film s'avère tellement réussi qu'il se démarque du reste du film de manière étonnante. Dommage que tout le film n'aie pas été fait avec autant de travail. Finalement, même les amateurs de bon vieux gore vont être déçu parce que le film est, en fin de compte, pas si violent que ça. Il y a quelques plans sanglants, mais pas assez pour choquer. Dommage, puisque même les pires atrocités cinématographiques peuvent parfois faire oublier leur maladresse en utilisant des litres de viandes intestinales. Si Sur le seuil aurait suivi leur exemple, cela aurait sûrement été pour le mieux. Un film à éviter, sauf si vous voulez encourager une production de films d'horreur au Québec. Sinon, vous vous trouvez devant deux choix, soit lire le roman original ou encore attendre le remake américain que Miramax est en train de nous concocter en espérant voir quelque chose d'un peu mieux. Oncle Freak Il faut mettre tout de suite au clair que ce n'est ni le premier film d'épouvante québécois, ni le premier fantastique du Québec, contrairement à ce que les médias claironnaient à l'automne dernier. Ayant lu le roman de Patrick Senécal à l'époque de sa parution, j'étais curieux de voir comment Éric Tessier avait pu le mettre en images. Le résultat est valable, bien que le roman suscite plus d'images évocatrices et perturbantes... mais cela est peut-être aussi dû au fait que je connaissais tous les punchs et les secrets de ce film qui est, après tout, basé sur une énigme. L'interprétation est globalement bonne (sauf Patrick Huard, qui m'a semblé peu convaincant), la bande son industrielle/atmosphérique souligne avec éloquence le visuel du film, et l'histoire inventée par Patrick Senécal est originale. Certains critiques ont reproché le côté lent du film, surtout dans sa première heure et, même si je conviens qu'ils ont raison, je vois difficilement comment on aurait pu exposer et mettre en place la situation d'une autre manière. Peut-être en resserrant le montage, ou en conférant une atmosphère plus tendue ? Sinon, saluons l'intégrité du scénariste et du réalisateur qui ont respecté le roman jusque dans sa fin et sont parvenus, au terme d'années de labeur et de démarches, à réaliser un tel film au Québec, en 2003, ce qui relève de l'exploit. Je me demande quel public Sur le seuil rejoindra. Les fans de téléromans le trouveront sans doute glauque, alors que les ados risquent de lui reprocher sa retenue et son sérieux (ce que j'ai pu constater en salles). Néanmoins, cette sobriété est mise au service du récit et s'oppose avec succès au Mal caricatural tel qu'il apparaît dans beaucoup de films hollywoodiens. Pour ma part, j'ai trouvé l'expérience intéressante. Elle a aussi le mérite d'ouvrir les portes à un cinéma québécois de genre qui semble sur le point de prendre de l'expansion (LA PEAU BLANCHE, etc.) Howard Vernon
	The SURROGATE aka Blind Rage - Don Carmody, 1984, Canada, 1h40  Qu'arrive-t-il quand, en 1984, les gus de Cinépix considèrent avoir tout essayé pour percer le marché québécois et se contentent de ne récolter que des échecs, sans parler de cette haine tenace que leur vouent les pseudo-sociologues en soutane de Médiafilms, attribuant systématiquement la cote 7 (minable) à tous les films qu'ils distribuent ou produisent ? Ils assument leur statut de société de production dite "de genre" et se lancent dans les thrillers semi-érotiques pour un marché anglophone. Co-produit avec Télé-Métropole, THE SURROGATE avait à mes yeux toutes les apparences d'une curiosité : tourné à Montréal avec Carole Laure, la reine du bis québécois; Shannon Tweed, la reine du tweed - euh pardon, des cheapies érotiques de l'époque; et Michael Ironside, maître incontesté de la production douteuse, sosie pâlot de Jack Nicholson, et ayant à son actif depuis 1977 plus de 123 rôles dans des productions aussi glorieuses que TOP GUN, "V" ou encore TOTAL RECALL. C'est donc avec une certaine appréhension que j'insérai l'objet dans mon VCR, la main tremblante et l'oeil ému. Bilan : ça m'a tout de même pris trois jours avant de le terminer. On commence avec Frank (Art Hindle, qui a fait ses classes notamment avec Bob Clark dans BLACK CHRISTMAS, puis dans INVASION OF THE BODY SNATCHERS, THE BROOD de Cronenberg, puis les deux premier PORKY'S), un honnête vendeur de voitures marié à la belle Shannon Tweed, qui a un léger problème : il ne contrôle pas ses sautes d'humeur et pète les plombs plutôt facilement. Monsieur fait des petites crises et se pète des "black outs". Il n'apprécie pas vraiment la relation très "fag hag" qu'entretient sa femme avec un ami homo (Jim Bailey, grinçant et "drama queen" au possible) et a du mal à faire face avec son impotence et ses problèmes de couples. Sa psychiatre lui conseille d'essayer une "surrogate", spécialiste des fantaisies sexuelles chargée de faire renaître la flamme de la passion dans le ménage. Tandis qu'Ironside traîne sa gueule découragée de gauche à droite à la recherche du coupable de la série de meurtres qui sévit en ville, "l'exotique" Carole Laure fait de son mieux pour faire bander l'ami Frank. Routinier et manquant parfois de logique, le récit se laisse découvrir sans hâte, ne nous réservant que peu de surprises mais étant présenté dans une enveloppe tellement soporifique qu'on ne flaire rien. On regarde sans juger, bercé par le rythme étudié du récit sans queue ni tête, luttant avec notre incrédulité naissante et la vision apaisante des mamelles fort maternelles de Miss Tweed. THE SURROGATE peut être amusant si on n'est pas rancunier et si l'on a envie de visionner une curiosité d'époque, musique fromagée et garde-robe inclus. Je ne vous demanderai qu'une chose : ne me blâmez pas pour vos crises de fluorescence. Orloff
	SUSPENSION - Jeffery Scott Lando, 2015, Canada C'est l'un des films de la fournée "8 Films To Die For" cuvée 2015. Il est signé Jeffery Scott Lando, un mec qui a pondu plein de trucs pour SyFy et le câble genre "Decoys 2", "Goblin", ou encore "Super Tanker". Avec "Suspension", il nous la joue néo-slasher avec une version appauvrie de "Halloween". Pas vraiment le genre de projet qui vend du rêve et pour le coup, le résultat est à la hauteur du manque d'attente. Ici, le Michael Myers en solde est un père de famille psychopathe visiblement porté disparu depuis une décennie et qui refait surface grâce au zèle de revanchards justiciers soucieux de lui rendre la monnaie de sa pièce. Le papa tueur s'échappe, enfile un masque, et s'en va dessouder quelques habitants du patelin dans lequel vit sa fille, une adolescente mal aimée de ses camarades d'école semblant entretenir un lien télépathique avec son paternel. Jeffery Scott Lando espérait-il trouver ici une échappatoire du carcan de série Z pour le câble? Aucune idée, mais le résultat ne laisse guère de doute quant à la suite de sa carrière tant "Suspension" aligne les tares. Outre son scénario puissamment con et son alignement de clichés mis en scène de façon purement mécanique, son actrice principale insupportable et ses meurtres en mousse le plus souvent hors champ, on ne veut pas retenir grand-chose de l'infâme bousin. Excepté peut-être cette scène tout à fait cocasse où un flic en pleine bavure tente de corriger celle-ci en revêtant un tablier de cuisine à fleurs du plus bel effet. Deux minutes de bonheur sanglant et décalé au milieu d'un gros ramassis de bouse. Kerozene
	SWARMED - Paul Ziller, 2005, Canada  Un chimiste développe un insecticide pas tout à fait au point, puisque s'il élimine la majorité de ses cibles, un petit pourcentage d'entre elles mute en bestioles anormalement agressives. Tout irait pour le mieux si tout le monde faisait bien son boulot, seulement voilà: il y a des boulets partout, à commencer par le concierge du laboratoire qui ouvre par inadvertance le bocal contenant les spécimens infectés. Piqué à mort, son corps tout boursouflé est transporté à la morgue, contenant dans la bouche une guêpe désireuse d'aller voir dehors quel genre de merdier elle pourrait bien semer. Surgit plus tard un chasseur d'insectes à cours d'insecticide qui rend visite à son ami le chimiste. Ce dernier, trop occupé à séduire une jolie spécialiste des guêpes présente pour se pencher sur le comportement inhabituellement agressif d'une bestiole (tiens tiens), ne voit pas que son poto lui subtilise un flacon de sa cochonnerie expérimentale. Trop content, le pourfendeur s'empresse d'aller asperger un nid de guêpes! Non loin de là, les préparatifs de la fête annuelle du hamburger battent leur plein, et hors de question pour le vendeur de sauce à barbecue M. Washburn (Tim Thomerson) d'annuler l'événement pour quelques malheureuses mouches qui piquent. C'est alors qu'un énorme essaim surgit dans le ciel pour semer un boxon pas possible et transforme la fête du hamburger en fête de la piqûre.... C'est donc un scénario classique d'agression animale qui ne surprend personne mais qui bénéficie de l'efficacité et du savoir-faire de Paul Ziller, le mec responsable des titres les plus excitants du catalogue SyFy. Et pour les personnes qui ont un rapport de haine tout particulier avec les saloperies jaunes et noires (j'ai une trouille bleue de ces sales bestioles), le film fournit quelques instants tout à fait cocasses qui ne manquent pas de générer quelques frissons, notamment lors des gros plans sur les dards pénétrant l'épiderme de leurs victimes, voire un œil, et ça même si ces images sont en synthèses absolument épouvantables. Pas de quoi crier au chef-d'œuvre cependant et retenons ces quelques scènes ne manquant pas de piquant où Tim Thomerson avale malencontreusement un duo de guêpes bien malines ou celle où une femme de ménage chasse l'insecte au fusil de chasse! Kerozene
	SWEET MOVIE - Dusan Makavejev, 1974, Canada/France/Allemagne Mis à part le visage angélique de notre Carole Laure nationale, il n'y a pas grand chose de "sweet" dans ce film de Dusan Makajevev. La belle incarne la participante canadienne du concours Miss Monde 1984. Elle emporte le concours et se retrouve mariée avec un magnat du pétrole qu'elle quittera vite pour retourner dans le monde extérieur et se retrouver dans une valise rouge en direction de Paris où elle découvrira les joies et les peines du sexe avec un chanteur mexicain avant de se retrouver catatonique dans une commune où l'on pratique des rituels thérapeutiques plutôt dégoûtants. La trame parallèle du film est axée sur Anna Prucnal incarnant une révolutionnaire-strip-teaseuse pour jeunes garçons a ses heures naviguant un bateau nommé Survival. Elle accueille à bord un ancien marin du Potemkine joué par Pierre Clémenti, acteur unique que l'on a pu voir dans Belle de Jour de Bunuel. Dans ce film, Makavejev brise beaucoup d'interdits, met ses acteurs dans des situations embarrassantes sans jamais perdre de vue le contexte politique du moment. Dans la majeure partie du film, il ramène l'humain a ce qu'il a de plus charnel en donnant toute l'importance au corps, a ses besoins et a ses sécrétions. Il explore l'imagerie corporelle, entre autres en filmant la belle Carole se casser des oeufs sur la tête ou en se prélassant dans un bassin rempli de chocolat. Véritable gynécologue cinématographique, il ne gêne pas pour filmer l'homme et la femme dans ce qu'ils ont de plus intimes sans pour autant créer des images excitantes. C'est plutôt le contraire qui se produit, surtout quand ils filment des poilus s'adonnant à une orgie alimentaire. Si on remet ce film, dans son contexte historique étant la révolution sexuelle des années 70, on excuse Makavejev de faire une fixation aussi intense sur le sexe et ses aléas. Comme dans sa filmographie précédente, Makavejev réalise un film fourre-tout, incluant autant des images de documentaires scientifiques, des chants révolutionnaires et de la musique mexicaine. Il mêle passé et le présent, fiction et le documentaire, dialogues et chants en laissant le spectateur faire tous les liens lui-même. Sweet Movie est un joyeux bordel où l'on retient ce que l'on veut, un peu comme dans la vie. Certains y verront des analogies intéressantes avec la révolution communiste, d'autres une ode a la vie dans toutes ses imperfections ou un non-sens complet. Mongola Batteries
	TERROR TRAIN aka Le Train de la Terreur aka Train of Terror aka Le Monstre du Train - Roger Spottiswoode, 1979, Canada/États Unis, 97m Lors d'une partouze d'initiation sur un campus d'université, une blague de mauvais goût tourne mal et traumatise un jeune vierge à l'aide d'un cadavre en morceaux à la belle voix féminine truquée. Quatre ans plus tard, nos débutants terminent l'université et célèbrent le tout sur un train loué pour l'occasion tout en engageant un magicien pour un divertissement supplémentaire pendant ce voyage festif où déguisements et boissons sont requis. La mauvaise blague est pratiquement devenue une légende, mais un passager du train s'en souvient très bien et commence son carnage tranquillement, en silence, vêtu d'un costume camouflant son identité à ses anciens compatriotes... Sorti dans le début de la foulée des slashers de l'époque et mettant en vedette Jamie Lee Curtis, ce petit film sans grande prétention se laisse regarder sans problème. On y retrouve plusieurs bons moments de frousse comme la finale avec la poursuite de Curtis d'un wagon à l'autre, mais c'est plutôt le climat de huis clos sur un train qui donne une touche légèrement alléchante au récit. L'équipage du train découvre des cadavres, mais ne veulent pas semer la panique, préférant informer les responsables de la partouze se retrouvant avec tout un problème sur les bras. L'un des suspects les plus viables demeurant le magicien, il est plutôt amusant de voir David Copperfield (!) se débrouiller dans le rôle avec, comme toujours, ses sourcils infernaux. Nous voilà donc avec un film tentant un peu d'originalité dans la forme slasher déjà convenue et réussissant sans grande difficulté à capter notre attention et à nous divertir pendant sa durée complète. À défaut d'être captivant, on s'y amuse si on ne boude pas son plaisir. Bad Feeble
	TIRESIA - Bertrand Bonello, 2003, France/ Canada Cette œuvre étrange donne l'impression de vivre une sorte de rêve éveillé en plus de nous plonger dans un monde inconnu où l'horreur rencontre le fantastique pour donner une histoire bien curieuse. Un homme kidnappe une prostituée et l'enferme dans son sous-sol, lui expliquant qu'il fera d'elle sa rose, son idéal féminin. La femme, une brésilienne nommée Tiresia, est en fait un transsexuel et comme elle n'a pas accès à ses hormones, elle reprend tranquillement ses traits masculins. Voyant son fantasme brisé, son agresseur lui crève les yeux ( une scène très dure, un spectateur hurlait d'horreur lors de mon visonnement ) et l'abandonne au bord d'une route de campagne. Tiresia est alors receuillis par une famille de fermiers et découvre que la perte de sa vue lui a donné un don de voyance. Elle se servira de ce pouvoir pour aider les habitants de la communauté, ce qui mettra en colère le prêtre du village. Comme vous l'avez remarqué à la lecture du synopsis, le film de Bonello se divise en deux parties, l'une étant le reflet de l'autre. Les deux chapitres comportent des événements et des personnages semblables ( Laurent Lucas interprète avec brio deux rôles et Tiresia est joué par deux acteurs différents ). En étant très attentif au fil du récit, on se rend rapidement compte que l'on écoute le même film à deux reprises, mais on a l'impression qu'une phase du film est plus sombre que l'autre. Mis à part cet aspect très énigmatique, on note une photographie soignée qui réussit avec merveille à créer une ambiance très lourde et très déstabilisante. La caméra est également voyeuse, on est donc très distancié des événements, témoin de scènes à l'imagerie troublante ( la première vision de Tiresia nue choque ) qui hypnotise autant qu'il horrifie. On ne fait donc que suivre le film avec curiosité, à chercher les pistes qui peuvent nous permettre de mieux comprendre le récit et à tout simplement se laisser guider par Bonello qui nous mène là où l'on oserait jamais aller. Tiresia est une véritable expérience cinématographique et il serait très dommage de passer à côté. Laissez-vous emporter dans des terres inconnues. Oncle Freak
Jean Lapointe Andrée Boucher	TOUT FEU, TOUT FEMME aka All Fire, All Woman - Gilles Richer, 1975, Canada, 1h28 François Chartrand (Jean Lapointe) est un pompier légèrement mésadapté - voire retardé - qui officie pour la ville de Montréal et qui cause nombre de problèmes à son chef, le démonstratif Guy l'Écuyer. Il rencontre Isabelle, une étudiante en psychologie (Andrée Boucher), en éteignant un feu chez elle, et lui propose à contrecoeur de l'héberger chez lui en constant que son appartement a été carrément saccagé par ses collègues pendant l'intervention. La Boucher tombe alors en amour avec lui, fera tout ce qu'elle peut pour le "déniaiser" - il a peur des femmes - et ira même jusqu'à peupler son immeuble de "poupounes" afin de lui faire oublier sa phobie du sexe féminin. Il guérira, certes, mais un peu trop au goût d'Isabelle... Film mythique produit à l'époque par Cinépix, TOUT FEU TOUT FEMME demeurait introuvable jusqu'à ce que Drive-In ait la merveilleuse idée de le diffuser il y a de cela quelques mois. L'absence de distribution vidéo est inexplicable : on tient là le type de comédie qui faisait les délices de papa dans le milieu des années '70, après l'explosion de "vues de cul" causée par VALÉRIE et DEUX FEMMES EN OR. On y retrouve des pompiers, des minettes à poil, de l'alcool en quantité et du gros humour gras; les rebondissements requis y sont, il y a "progression" psychologique des personnages et même quelques poursuites automobiles "loufoques". La séquence de pré-générique est à cet effet particulièrement savoureuse... L'atmosphère est définitivement légère, avec un message plutôt douteux qui, en gros, signifie qu'un vrai mâle doit prouver qu'il en est un en baisant tout ce qui bouge. Un facteur irritant vient ponctuer un peu trop régulièrement l'action : chaque fois qu'un déplacement en véhicule banalisé a lieu, une sirène retentit et ne s'arrête JAMAIS. Gilles Richer a scénarisé TIENS-TOI BIEN APRÈS LES OREILLES À PAPA en 1971 et J'AI MON VOYAGE en 1973 avant de se mettre à la réalisation. TOUT FEU fut sa seule contribution à notre cinématographie trash québécoise, outre la mise au monde de sa fille Isabelle. Jean Lapointe cabotine à souhait, passant d'un sérieux exemplaire à un état de dégénéré mental irréversible dans la même scène. Il est dommage qu'il n'ait pas été davantage employé dans les films de genre de l'époque... On a toutefois du mal à croire que ce personnage au visage ingrat et à la calvitie naissante tombe toutes ces filles, mais après tout, on est en territoire fictif... Guy l'Écuyer, en chef pompier déchaîné, qui semble découragé par le laisser-aller de ses hommes, en met des tonnes, mais c'est comme ça qu'on l'aime. Son rôle ressemble vaguement à celui qu'il interprétait dans LE MARTIEN DE NOËL, en '71... Il est difficile de croire qu'il jouait, la même année que TOUT FEU, le rôle d'un inspecteur de police dans UNE NUIT EN AMÉRIQUE de feu Jean Chabot... Que devient-il de nos jours ?! On croise rapidement le mignon minois de Danielle Ouimet dans un rôle muet, ainsi que celui de nombre de beautés féminines de l'époque qui se dandinent brièvement avec leurs fesses blanches et leur pillosité abondante. Il est aussi recommandé de porter attention à la chanson-titre, une ineptie débilitante chantée en duo par Boucher et Lapointe, ce dernier se contentant d'y éructer des onomatopées inarticulées. J'vous dit, on n'en fait plus, des comme ça. Orloff Les comédies sexy pullulaient au Québec, au courant des années 70. On y alternait le très vulgaire (LA POMME, LA QUEUE ET LES PÉPINS) avec des films plus gentillets, comme celui-ci. Jean Lapointe y incarne François Chartrand, un pompier effrayé par les femmes. Lorsqu'il en sauve une (Andrée Boucher) d'un incendie, elle se retrouve sans logement et vient habiter chez lui à condition qu'ils soient " copains copains ". Chartrand accepte, mais sa locataire, une fois sur place, souhaite changer son fusil d'épaule, ce qui traumatise notre homme. Selon le psy de la jeune femme, la seule façon de régler le problème serait d'entourer le pompier d'une cohorte de jeunes femmes... Ce qui arrivera, bien sûr. Cette comédie n'est pas très hargneuse : on n'y entend aucun sacre, et l'érotisme y est traité de manière légère, dans le style pièce de théâtre d'été. La séquence la plus anthologique (et c'est un bien grand mot, dans le contexte) est celle d'une partie de strip-poker à laquelle Chartrand est forcé de participer. Comme l'ensemble est traité de manière un peu grotesque, il ne faut pas espérer ressentir un grand émoi érotique de ce côté-là ! L'humour n'est donc pas corrosif ou agressif. L'inspiration humoristique est clignotante : beaucoup de scènes reposent sur les maladresses des pompiers qui se trompent d'adresse, déclenchent des alarmes par erreur, sont généralement incompétents, etc. L'intérêt vient surtout de l'interprétation de Lapointe en homme dépassé par les événements. On s'amusera aussi à repérer des " vedettes " de l'époque, comme l'inévitable Guy L'Écuyer ou Danièle Ouimet. La chanson-thème est elle aussi un grand moment de ringardise. Des voix de femmes chantent, sur un accompagnement enjoué et rapide : " Viens mon Françou, mon Franci, mon François ", invitations reprises sans cesse, auxquelles Lapointe répond en balbutiant " Qui ça, moé ? De que c'est ? Comment ça ? " et ainsi de suite.. Howard Vernon
	TURBO KID - François Simard, Anouk Whissell & Yoann-Karl Whissell avec Munro Chambers, Laurence Leboeuf, Michael Ironside, Edwin Wright, 2015, Canada/Nouvelle Zélande, 93m Dans un monde post-apocalyptique ou l'eau est devenu un bien précieux, le Kid est un jeune qui se débrouille assez bien pour faire du troc avec des objets d'une autre époque contre de l'eau ou des bandes dessinées. Débarque subitement Apple, une blonde hyper excitée qui s'accroche à lui. Malheureusement le dictateur du coin, un surnommé Zeus et son sbire Skeletron s'emparent de la jeune femme. Le Kid réussira-t-il à prendre exemple sur son héros, Turbo Kid, en sauvant Apple ? Premier film des réalisateurs du mythique court-métrage Le Bagman, cette co-production sent bon la parodie des films post-apocalyptiques qui ont pullulé suite à la sortie d'un certain Mad Max. Ils jouent à fond la carte de la nostalgie, le film se passe en 1997, on roule en BMX, la musique et le générique sont d'une autre époque. Le tout baigne dans une atmosphère joyeuse, y comprit dans ses nombreuses scènes gore complètement folles, sans pour autant faire table rase de choix dramatiques un brin cruels. Le budget, qui devait tout de même être mince, ne dérange pas vraiment le résultat final, le casting, entre autre étant superbe. Laurence Leboeuf en mignonne Apple n'a pas été sans me faire penser à Sabrina Siani, qui a connu son heure de gloire dans quelques bisseries italiennes dont des films similaires. Edwin Wright en pseudo Clint Eastwood est aussi sans reproches, tout comme Michael Ironside qui a l'ai de s'en donner à coeur joie. Munro Chambers est tout aussi excellent, ménageant l'enthousiasme et la bravoure, ratant ses coups à l'occasion, ne se prenant pas trop au sérieux. La musique est tout aussi remarquable. Bref, que du bon dans ce film que les amateurs attendaient depuis longtemps. Seul regret, avoir vu le film avec trois journalistes tout ce qu'il y a de sérieux. J'imaginais les cris et rires que devait remplir la salle lors de ses présentations au festival Fantasia! Mario Giguère
	TWILIGHT OF LOVE aka La Notte dell'alta Marea aka The Night of the High Tide L'aguicheuse aka La nuit de la marée haute - Luigi Scattini avec Anthony Steel, Annie Belle, Pam Grier, Hugo Pratt, Giacomo Rossi-Stuart, Alain Montpetit, Guy Lafleur et les joueurs du Canadien de Montréal, 1977, Canada/Italie Richard (Anthony Steel) est le directeur d'une agence photographique qui oeuvre dans le domaine publicitaire. Il est dans la cinquantaine et il multiplie les maitresses. Alors qu'il est dans un sauna mixte de Montréal, il fait la rencontre de Dyanne (Annie Belle). Un peu plus tard... Il la rencontre à l'intérieur d'une cabane à sucre, endroit, où elle lui laisse son numéro de téléphone. La même nuit, il décide de lui téléphoner, afin de la rencontrer. Alors, suite à cet appel, ils décident de se rencontrer à l'intérieur d'une discothèque (le fameux Limelight). Après quelques bavardages et 2-3 pas de danses, ils décident d'aller chez Dyanne. Mais leur rencontre se terminera assez brusquement lorsque qu'un petit ami de Dyanne fait irruption. Richard sera, alors, obsédé à l'idée de la rencontrer à nouveau... Il s'agit d'une co-production Italie-Canada, produit par 2 grands noms du cinéma de genre... Soit Carlo Ponti (La Strada, Blow-Up, etc.) et d'Harry Alan Towers (plusieurs Franco, quelques giallo d'Umberto Lenzi, etc.) et écrit à 4 mains avec notamment Claude Fournier ! L'intérêt du film provient du fait qu'il a été tourné en partie à Montréal (et en Martinique) et qu'il met en scène quelques figures cultes: Anthony Steel (star du péplum), la populaire Annie Belle (LÈVRES DE SANG, THE HOUSE ON THE EDGE OF THE PARK et quelques Emmanuelle qui ne font pas partie de la série avec Sylvia Kristel) et enfin Pam Grier à l'intérieur d'un très petit rôle. De plus, le film a la curiosité d'avoir le populaire animateur Alain Montpetit dans le rôle assez consistant d'un photographe. De plus pour les québécois, le film a un intérêt particulier... Puisque quelques locations sont vastement exploité: La Place Bonaventure, Le Forum de Montréal, Le Vieux-Montréal et notamment plusieurs stations de métro dont Square-Victoria et Berri-UQAM. Une étrangeté à ce niveau est que la station Arwater ne porte que le nom et semble avoir été tourné à l'intérieur d'une autre station. Ceci étant dit, le film se veut vaguement être une histoire de séduction amour-haine entre les 2 têtes d'affiches et qui insiste sur les charmes d'Annie Belle et ainsi que sur plusieurs autres actrices. Puis au niveau du scénario, le film prend un tournant assez inattendu en Martinique que je vais garder secrètement pour moi afin vous laissez une petite surprise. Le film comporte quelques plans intéressants et comporte plusieurs oeuvres d'Art sur divers murs. À ce niveau, il y en a une assez particulière et c'est une photographie (que l'agence travaille dessus) d'une paire de fesses nues avec comme slogan... A touch of class. Ce film avait visiblement eu aucun succès lors de sa sortie, mais pour ses noms au générique, le fait qu'il a été tourné à Montréal et évidemment par la présence d'Alain Montpetit (Dont l'intérêt est d'actualité en raison de la sortie du film FUNKYTOWN)... Le film mérite d'être redécouvert. Mais vous devez ne pas vous attendre à beaucoup si vous n'êtes pas un fan de films cultes et particulièrement si vous n'appréciez pas Annie Belle. Qui, de part sa présence, mérite d'être regarder par ses fans hardcore. Black Knight
	The VINDICATOR aka Frankenstein 88 aka Roboman - Jean-Claude Lord avec David McIlwraith, Terry Austin, Richard Cox, Pam Grier, 1986, Canada, 93m Carl travaille pour une compagnie qui expérimente dans la création de nouvelles armes. Lorsqu'il a un différent avec son patron, on provoque un accident mortel et on décide de le transformer en cyborg. Un prototype de robot militaire l'agressivité sera contrôlée à distance. Ça ne fonctionne pas comme prévu et Carl s'enfuit et découvre son sinistre destin. Pendant que son épouse le croit mort, on  lance à ses trousses Hunter (Pam Grier), une tueuse à gage, pour l'éliminer. Après des films plus engagés, le réalisateur Québécois Jean-Claude Lord va enfiler quelques films de genre alors que les gouvernements donnent des crédits de taxes pour les tournages de films au potentiel commercial. Ça ne durera qu'un temps. Après Visiting Hours et juste avant la télésérie Lance et Compte, il démontre son savoir faire, avec l'aide de Stan Winston pour le costume de cyborg. Pam Grier participe au film avec l'assurance et la présence remarquable qu'on lui connait. Les effets spéciaux et surtout les effets pyrotechniques sont bien appréciés. Si le scénario, proche de celui de Robocop qui allait sortir un an plus tard, n'a rien de bien nouveau, on passe un bon moment. Du producteur de Shivers, Rabid, Porky's 1 et 2, la belle époque du cinéma de genre au Canada. Mario Giguère
	Le VIOL D'UNE JEUNE FILLE DOUCE aka In Trouble - Gilles Carle, 1968, Canada Ce film d'un Gilles Carle alors très jeune, repose sur une histoire simple tournant principalement autour de Julie, une jeune femme bien 68 c'est-à-dire coquette, émancipée, indépendante et ouverte d'esprit. Elle choisit de mener à terme sa grossesse, malgré le fait que le père est inconnu et que sa meilleure amie Katerine trouve ça dégueulasse. Ses diverses relations nous amènent à la rencontre du Québec des années 60, moment où la modernité émerge et où la tradition ne comprend pas ce qui lui arrive. Son amant juif-marocain, sa voisine folle et anglaise et ses 3 frères machos réactionnaires font irruption dans sa vie pour ensuite disparaître et la laisser seule avec Tancrède, son fidèle ami. Carle joue intelligemment avec les niveaux de langage et de culture pour créer des scènes et des dialogues délicieusement absurdes et révélateurs. Bien entendu, on sent l'influence de la nouvelle-vague française surtout quant au ton froid et détaché adopté par les personnages, mais Carle se réapproprie le genre sans tomber dans le pathos de la copie. Les dialogues des frères Pilon (surtout ceux de Donald) raflent le premier prix pour leur haute teneur en absurdité! Bien que le scénario soit simple, les personnages pris dans plusieurs des couches de la société québécoise mettent en relief la richesse et la complexité de la belle province. Même si les temps ont changé, ce film ne perd rien de sa pertinence, de son originalité et de sa fraîcheur et vaut vraiment le détour! Mongola Batteries
	The VOID - Jeremy Gillespie & Steven Kostanski avec Aaron Poole, Ellen Wong, Kenneth Welsh , 2016, Canada, 90m Dans une petite municipalité rurale, un policier amène à l'hôpital un homme blessé trouvé sur une route de campagne. Rapidement, l'établissement est entouré par de nombreuses personnes cagoulées avec un symbole triangulaire. La situation va rapidement dégénérer lorsque débarquent deux inconnus qui viennent pour tuer l'homme blessé, pendant qu'une femme enceinte est sur le point d'accoucher, que l'électricité manque et que l'on tue le médecin de service. Avec des influences nombreuses, d'Assault on Precinct 13 à Hellraiser ou Re-animator, le petit budget canadien tire son épingle du jeu et emballe un bon film. Les effets spéciaux, nombreux, sans effet digital, sont magnifiques. Si la confusion règne pendant longtemps, le final répond à la majorité des questions du spectateur. Proche des réalisations d'un Brian Yuzna de la belle époque des clubs vidéo et des découvertes en vhs, avec un bel ensemble de comédiens, le film livre la marchandise. De quoi espérer une éventuelle suite ou une récidive. Jeremy Gillepsie est surtout directeur artistique sur de nombreux projets prestigieux tel The Shape of Water de Guillermo de Toro ou la série télévisée The Boys. Steven Kostanski va pour sa part réaliser en 2020 Psycho Goreman. Mario Giguère
	VOODOO aka VAUDOU - René Eram avec Corey Feldman, Diane Nadeau, Sarah Douglas, Jack Nance, 1996, Canada/États, 92m Arrivant sur le campus en retard, Andy (Corey Feldman) n’a pas d’endroit ou se loger et espère bien que sa copine Rebecca, qu’il avait quitté pour aller en Europe, partagera son lit avec elle. Peine perdue, elle est dans une confrérie féminine et qui plus est, elle semble pas très enchantée par son retour. Andy va donc trouver refuge et intégrer une confrérie collégiale et rapidement se rendre compte que tout n’y est pas si normal. Il y a aussi ce bonhomme étrange (Jack Nance) qui veut l’avertir du danger qu’il court. Une histoire ou ses confrères sont des zombies vaudou, et qu’il risque de les rejoindre car le chef de gang a besoin d’un sixième larron mort vivant: Andy. La pochette m’intriguait en même temps qu’elle annonçait un truc pas très original, mais il y avait Jack Nance, acteur fétiche de David Lynch, la tête inoubliable d’ERASER HEAD. Alors bon. on ne fracasse rien niveau scénario, c’est même faiblard, on ne réglera jamais la question de la copine désenchantée et ces zombies ont peur du sel comme les vampire ont peur de l’ail, mais sans trop de conséquences. Jack Nance y a un rôle bien petit, encore plus pour la belle Sarah Douglas qui disparaît trop rapidement. Ce n’est évidemment pas Corey Feldman et sa coupe Johnny Cash qui gagnera un Oscar et le gore y est bien timide. À signaler, la version anglaise comporte un 4 minutes supplémentaires par rapport à la version française, je me demande bien pourquoi, puisqu’il n’y a aucune partie de jambe en l’air et très peu de sang. Une version pâlotte du vaudou avec moult aiguilles dans des poupées de cire qui ne fera pas peur à l’amateur un tant soit peu expérimenté en la matière. Ou si vous préférez 2.5/10 ! Mario Giguère
	VOODOO MOON - Kevin VanHook avec Eric Mabius, Charisma Carpenter, John Amos, Jayne Heitmeyer et Rik Young, 2005, Canada, Canada/États Unis, 89m, TV Un être maléfique détruit une ville entière parce qu'il est méchant méchant méchant. Un frère et sa soeur échappent au sinistre individu et 20 ans plus tard, la jeune femme devient une artiste avec des capacités psychiques et le garçon, un traqueur d'entité maléfique qui cherche désespérément celui qui a détruit leur ville. Après avoir eu une vision horrifique, la jeune femme embarque dans la quête dangereuse de son frère et ensemble ils voyageront pour l'éliminer et rencontreront de nombreux alliés en chemin. Charisma Carpenter? Eric Mabius? Jeffrey Combs? Des démons? Voilà j'étais tenté et ce même si le film était rattaché au Sci-Fi Channel qui a l'habitude de sortir les films qui m'enmerdent le plus. Kevin Van Hook, dessinateur de comic book avant d'être cinéaste, scénariste et réalise ce film vrament pas terrible où on sent un potentiel qui n'est finalement qu'horriblement exploité pour nous mener rapidement dans le n'importe quoi et l'ennui le plus complet. La brochette d'acteurs est intéressante mais aucun personnage ne vient à le devenir, tout est rapidement tracé et laisse place à des dialogues interminables qui ont surtout l'air à servir une histoire qui ne semble pas plus savoir que nous où elle s'en va. Van Hook ne parvient pas à instaurer une once de rythme dans un projet visiblement trop ambitieux pour ce qu'il a a sa disposition et c'est sans compter sa réalisation absolument sans saveur et chiante au possible. Tout le monde a l'air de se demander ce qu'ils font là-dedans, les scènes s'éternisent (20 minutes de dialogues dans la voiture, 20 minutes dans la chambre d'hôtel et au moins 25 dans la maison de campagne) et on vient introduire un personnage insipide sans histoire une fois de temps en temps pour ajouter désespérément quelques minutes au film. Le personnage de Mabius, décoré d'une cicatrice ridicule, passe la moitié du film dans le lit à récupérer d'une blessure, Celui de Carpenter ne fait que le regarder et Combs vient jouer un zombie qui s'est fait briser la nuque pour passer son cinq minutes à l'écran à avoir la gueule paralysé. Ma scène préférée est celle où en entrant dans la chambre d'hôtel, une employée devient soudainement possédée et attaque Charisma Carpenter en lui donnant un coup de fourchette dans la jambe, Mabius tasse la dame et entre dans la chambre avec sa coeur ET CONTINU SA CONVERSATION COMME SI DE RIEN N'ÉTAIT!! Un vrai mille-feuilles de mauvais goût, à ne goûter qu'une seule fois. Abba
	La VRAIE NATURE DE BERNADETTE - Gilles Carles avec Micheline Lanctôt, Donald Pilon et Willie Lamothe, 1972, Québec, 115m Une jeune femme nommé Bernadette, idéaliste et libérée décide de quitter la ville pour s'installer à la campagne avec son jeune fils. Disciple de l'amour libre, elle crée une commune dans sa maison où chaque homme aura le loisir de prendre son plaisir avec elle. Vivant dans son paradis irréel, elle deviendra même une sainte après un concours de circonstances des plus étranges. Comédie frivole que vient signer ici un Gilles Carle en début de carrière. Comme souvent chez le réalisateur, l'ordinaire vient presque toucher l'extraordinaire dans une empilade de moments loufoques épaulés par des dialogues toute en finesses. Pas une tétine ni un petit poil n'apparaissent dans ce film qui malgré tout, dégage une candeur et une sensualité étonnante. Le film de Carle peu semblé élogieux sur la culture hippie en montrant sa charmante naïveté et son amour inconditionnel, mais plus le film avance et plus Carle veut nous montrer son côté sale où chacun veut profiter d'une part de Bernadette et y tirer son petit profit personnel. Ses fans qui la vénèrent vont dans leur désir d'avoir une partie d'elle, complètement saccagée sa maison. D'ailleurs, la fin du film, assez intense nous éloignes complètement de la comédie, comme si Carle voulait nous ramener à l'ordre sur ses intentions. Micheline Lanctôt est absolument radieuse et véhicule une sexualité tout à fait magnétique tout en y allant d'une magnifique performance dans son tout premier rôle à vie! Donald Pilon vient jouer le beau bonhomme avec efficacité et l'immortel Willie Lamothe vient encore une fois voler le show au niveau comique dans son rôle de facteur bougon. Un incontournable de Gilles Carle et un de ses films les plus accessibles et réussis. Abba
	WEEK-END SAUVAGE aka DEATH WEEKEND aka THE HOUSE BY THE LAKE - William Fruet avec Don Stroud, Brenda Vaccaro, Chuck Shamata, Richard Ayres, Kyle Edwards, Don Granberry, 1976, Canada, 1h28, produit par Ivan Reitman "Harry et Diane se rendent à la campagne pour le week-end en puissante voiture de sport. Harry, le séduisant playboy laisse conduire sa conquête. Quatre voyous en auto décident de provoquer Diane ; il s'ensuit un tas de péripéties... Après avoir semé les trouble-fêtes, Harry et Diane arrivent enfin à destination dans l'immense et luxueuse maison. Mais sont-ils seuls pour longtemps ?" On l'aura compris à la lecture de ce résumé-jaquette, ce WEEK-END SAUVAGE est un survival dans les règles de l'art. J'avais vu sa bande-annonce avec voix off glaçante à plusieurs reprises sur des VHS locatives, mais je n'avais jamais pu le dénicher. La VHS enfin dégottée au fin fond d'un bac à soldes, je remarque que le film est signé William Fruet, responsable entre autres des faiblards SPASMS et TRAPPED... Pensant donc n'avoir droit qu'à un rip-off peu inspiré de LAST HOUSE ON THE LEFT (que j'ai toujours trouvé un peu surfait), je commence mon visionnement sans conviction. Ma surprise n'en sera que meilleure ! Dès les premières minutes, le film épate par sa nervosité et son rythme. L'action s'emballe d'entrée, et pourtant tout ne sera ensuite que crescendo dans la violence. Fruet ne cherche pas à en mettre plein la vue, il filme juste cette escalade dans l'horreur et le sanglant avec sobriété, confiant dans son script riche en péripéties. La photo sait mettre en valeur ces grandes étendues isolées, au calme trompeur. Rien ne manque pour assurer un impeccable "survival" : les morts sont particulièrement éprouvantes et imaginatives (vous verrez par vous-mêmes) et la bande de ploucs ultra-violents fait froid dans le dos. Bref, le meilleur film d'un mauvais réalisateur (Fruet) peut être supérieur au plus mauvais d'un bon cinéaste (Craven) ! Stelvio
	WESLEY WILLIS: THE DADDY OF ROCK'IN ROLL - Daniel Bitton avec Wesley Willis, Vaginal Croutons et plusieurs chums. 2001, Canada, 59m Ce documentaire trace le quotidien du chanteur et artiste Wesley Willis. Plusieurs membres de ce forum, amateurs de curiosité et de psychotronie doivent connaître le personnage. Sinon, en voici une brève description: Il est black, obèse (320 lbs), souffre de schizophrénie (il entend les voix de trois démons qu'il nomme: Nervewrecker, Heartbreaker et Meansucker) et il est l'objet d'un culte (comme Normand L'amour) pour ses chansons rigolotes de bestialités et d'inepties vulgaires! Ce documentaire au budget de 17000$, nous envoie dans le quotidien de l'artiste: Visite chez ses amis, promenades en autobus, visites de magasins de disques, session d'enregistrement dans un studio, etc. Le ton donné rend le personnage très sympathique, mais malheureusement le documentaire souffre de graves problèmes: montage inepte et bâclé, photographie nulle, etc. Mais curieusement ça colle très bien à l'univers chaotique de Wesley Willis. Si vous êtes fan de Wesley Willis ou de personnages psychotroniques, vous devriez trouver le documentaire amusant. En attendant, je vous conseille d'aller au moins sur Kazaa et de downloader quelques uns de ses "succès" comme: Get On The Bus, I'm Doing It Well On The Side Of The Rea, Pop That Pussy, Casper The Homosexual Friendly Ghost, I Can't Drive, He's Doing Time In Jail, Jesus Is The Answer, I'm Sorry That I Got Fat, Suck a Cheetas dick, Retard Rap. C'est complètement hilarant ! Black Knight
	The WILD HUNT - Alexandre Franchi avec Kent Mcquaid, Kaniehtiio Horn et Trevor Hayes, Canada, 2009, 96m  Un jeu de grandeur nature tourne au drame quand un mec veut sauver sa petite amie apparemment emprisonné par un clan ennemi. Le jeu devient rapidement plus réel qu'il ne devrait l'être. Ben je ne vais pas  y aller par quatre chemins, pas vilain du tout ce film Canadien tourné au Québec et qui s'intéresse de façon fort sérieuse au thème des grandeurs natures. Y'a plusieurs défauts, les changements de ton sont trop brusques et sonnent faux, les personnages dont surtout le personnage féminin sont pratiquement incompréhensibles et ça ne semble pas savoir où aller. Sauf que c'est un film visuellement très travaillé, avec plusieurs scènes fortes et un concept original, comme quoi ici on en gagne et on en perd et pour un premier film pour ce jeune réalisateur, c'est franchement impressionnant. Finalement le côté Grandeur nature est visuellement riche et permet quelques scènes comiques intéressantes, mais on sent qu'on exploite pas autant le concept qu'on le voudrait.  Pour une deuxième tentative, si Franchi décide d'équilibrer le contenant et le contenu, on pourrait avoir un très bon film, plus équilibré. Abba
	WISHMASTER 3: BEYOND THE GATES OF HELL aka Le Maître du Cauchemar 3: Au-delà des Portes de l'enfer- Chris Angel avec A.J. Cook, John Novak, Tobias Mehler et Jason Connery, 2001, Canada/États-Unis, 89m Le Djinn revient pour une troisième fois pour continuer son parcours démoniaque et grotesque dans le but de détruire la vie à de pauvres innocents. Cette fois, sa victime est une jeune et innocente étudiante qui a malencontreusement ouvert la tombe de Djinn pour le libérer. Le vilain Djinn prend le contrôle du corps de son professeur et débute une série de meurtres à travers le collège, tout en cherchant à réaliser les trois voeux de celle qui l'a libéré. Ce qu'elle ne sait pas, c'est qu'après la réalisation de son troisième voeu, le MONDE DEVIENDRA UN ENFER! Oulala. Ce troisième opus vient confirmer la descente en enfer de la franchise, qui allait se terminer avec un désastreux quatrième film, toujours réalisé par Chris Angel et qui allait mettre le dernier clou sur le cercueil du Djinn. Pour ma part, le concept est intéressant mais entre les mains de scénaristes en manque d'imagination ou sans grandes ambitions, on se retrouve avec quelque chose de très frustrant comme c'est le cas ici. Bon alors le film, pas génial, je dirais même plutôt chiant. Dommage de voir un concept comme celui de la mort par le voeu, se retrouver à être aussi nul pour les meurtres. Une fille a son coeur qui explose mais on voit pratiquement rien, un autre est transpercé par une corne de boeuf. C'est très bof et ce sont les seuls qui me reviennent à l'esprit c'est peu dire. Un par contre était génial et je me dois d'en parler. La pauvre fille qui veut perdre du poids et qui se retrouve à vomir sans arrêt jusqu'à finalement s'effriter comme un pruneau. Sinon après ce superbe moment, on s'enmerde. On a droit à voir le Djinn dans sa vraie forme seulement à trois reprises, ce qui est une énorme déception mais on a également droit à une tentative très mauvaise de relancer l'intérêt en envoyant un ange du paradis pour détruire le Djinn. Je peux vous dire une chose, les trente dernières minutes sont d'un ennui terrible. Du n'importe quoi plus efficace qu'un somnifère pour les éléphants. Y'a pas à dire, c'est pas très bon. Et la musique techno dégueu un peu trop présente ne vient pas aider le tout. Abba
	WOLFCOP - Lowell Dean avec Leo Fafard, Amy Matysio, Jonathan Cherry, 2014, Canada, 79m Un policier alcoolique qui ne semble garder son emploi que parce que son père, également policier, est mort en devoir, se fait attaquer dans le bois alors qu'il tente de faire fuir ce qu'il croit être une bande de voyous. Il se réveille sans souvenirs de la veille, mais avec un symbole cabalistique gravé sur le ventre, puis, graduellement, se rend compte qu'il est devenu un loup-garou. Comme il s'appelle Lou, Lou Garou, les francophones ne sont pas surprit! Ni ceux qui ont vu le titre du film. La serveuse du seul bar du coin s'offre soudainement à lui et son copain, amateur de cryptozoologie, filme sa transformation pendant qu'il est enfermé dans une cellule du poste de police et tout se complique. Fruit d'un concours national ou le réalisateur de la meilleure bande annonce se verrait recevoir un budget d'un million pour tourner un long métrage, ainsi qu'une sortie limitée en salles, WolfCop ressemble à son inspiration, un film des années 80, bien gore et sexy et pas trop subtil. Malgré tout, il y a bien des surprises et des moments jouissifs dans ce scénario qui met la logique de côté par moments, pour mieux nous surprendre. Alors évidemment, la transformation n'a pas le budget ni le talent d'un Rick Baker à sa disposition, mais on s'en tire joliment bien. Le générique est bien efficace et les transitions de scène souvent imaginatives. Agréable surprise d'entendre au détour de la scène érotique le classique de Gowan: Moonlight Desires. L'assistante de Lou qui décide de le sauver in extremis s'avère un personnage intéressant, loin des femmes victimes qui abondent trop souvent dans le genre. Le film est court, 71 minutes au compteur avant que ne débute le générique final, mais on ne rallonge inutilement aucune scène, ce qui arrive trop souvent dans certaines séries B. Lowell Dean a fait ses premiers pas à la télévision et pour ce qui est seulement son deuxième film, il est déjà un nom à retenir. Mario Giguère
	ZOMBIE COP VS The Alien Terror - Brian Singleton, 2001, Canada, 34m "Supportez le cinéma local!" était écrit sur la pochette imprimée à l'aide d'une Canon Couleur. Chose que je fis tout de suite. Décision que j'ai regrettée au moment des premières images de ce projet vidéo (DV) tourné entièrement dans la belle région de la capitale nationale. L'histoire? Il y a une histoire? Un policier se fait attaquer par une horde de zombies. Il se fait mordre et devient lui-même un mort-vivant. De retour chez lui, il retrouve le confort de son appartement, de son ourson en peluche et de sa femme vampire. Le soir venu, des extra-terrestres essaient de comploter pour prendre le contrôle de l'univers. Et, bien sûr, notre Zombie Cop essaie de les en empêcher. Alors voilà... N’y allons pas par 4 chemins, ce film shot-on-video est vraiment mauvais (pour ne pas dire une pure merde). L'histoire ne tient pas debout, le montage est maladroit, la musique (on n'en parle même pas), la caméra arrive parfois à être à la bonne place, les scènes d'action manques totalement de rythme (les combats sont ridicules), et, à ma plus grande stupéfaction, le focus est à automatique! Alors vous imaginez le résultat. Et que dire des comédiens. Josh Grace, si "imposant" dans "Jesus Christ Vampire Hunter" du réalisateur, lui aussi ontarien, Lee Demarbre, est mal dirigé et son interprétation de policier zombie est très fade. Pour ce qui est des extra-terrestres, on croirait un mix entre Keanu Reeves dans "The Matrix" et la constipation qu'afflige depuis toujours Bruce Willis. Seul la femme du policier, la ravissante Jade, arrive à imposer sa présence. Peut-être dû à son amateurisme qui lui donne un jeu naturel. Et le reste de la distribution est encore pire. Mais que font les acteurs avec ces perruques? Le scénario, écrit aussi par Singleton, se perd quelque part entre la parodie et le sérieux, ce qui a comme effet de rendre le film encore plus faux qu'il l'est déjà. Il faut quand même donner une mention positive aux effets spéciaux. Que ce soit une tête tranchée, un empalement, un corps en flamme ou tout simplement du sang qui gicle à profusion, ils sont tous bien réussis malgré la restriction visible du budget. Et l'intention? Mr. Singleton voulait-il nous divertir? Nous ennuyer? S'amuser? Expérimenter avec le médium?  Dur de le dire, puisque ce film ne marche tout simplement pas. On ne s'amuse pas. On ne rit pas. On s'ennuie pour mourir. La durée de trente minutes semble une éternité. A-t-il voulut rendre hommage aux films qui l'ont marqué? La seule référence frappante est une scène où Jade écrit à l'ordinateur et que l'on entend ce qu'elle écrit en narration (lien direct avec Scully de "The X-Files"). À part ça, rien. Absolument rien. À part peut-être... un hommage qu'il a voulut rendre à ses deux réalisateurs préférés: Wes Craven et John Carpenter. À bien y penser, peut-être que Brian Singleton a voulut rendre hommage à ses 2 idoles en imitant leur style. C'est-à-dire, en filmant n'importe quoi, n'importe comment. "Zombie Cop..." redéfinit le terme "navet". Brian Singleton s'est fait expulser de son Cégep où il étudiait le cinéma. Et je crois qu'il n'a pas compris le message. Je n'ai qu'une chose à lui dire: "Coupe toi les cheveux and get a life!". Mathieu PRUDENT

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